Teeth

Teeth (2007)

Como resultado de la exposición a la radiación nuclear, a Dawn le crecen dientes en su vagina. Al crecer rodeada de prejuicios sobre su sexualidad, se vuelve la vocera de un grupo que promueve la castidad hasta el matrimonio. Cuando los hombres intentan aprovecharse de ella, terminan siendo horriblemente mutilados.

Parece implausible el hecho de que Teeth resulte siendo una mejor película que lo que su descripción sugiere, pero es así. El director y guionista parece estar perfectamente consciente de lo absurdo y tonto de su premisa, por lo cual dota a la película de una deliberada sensibilidad camp, especialmente durante su parte inicial. Su humor, si bien puede ser un poco pueril, es efectivo. Por ello, resulta bastante divertida, por la mayor parte. Jess Weixler hace un trabajo bastante bueno en el papel protagónico.

teeth monstruo masturbacion

Así es como muestra el tabú que existe sobre la masturbación femenina. Brillante, a su manera.

El gran problema con la película, a pesar de su originalidad, es que mezcla varios elementos a la vez, como horror (muy en el estilo de la clase B), empoderamiento femenino, y comedia sexual adolescente, sin saber equilibrar de manera adecuada estos elementos. Por ello, cambia de tono de manera demasiado abrupta. Paradójicamente, son los elementos de horror los que menos funcionan. A la película se le va la mano, y llega a ser demasiado explícita. No era necesario mostrar tantos penes mutilados, digo yo.

teeth consultorio ginecologo

La única escena en donde se balancean adecuadamente el horror y la comedia es la de la visita al ginecólogo. De antología.

Por el contrario, el mensaje feminista de la película está hasta bien planteado y concebido, dentro de todo. Inicialmente, Dawn no puede disponer de su propia sexualidad, porque siempre le enseñaron que era algo malo. Hasta en los libros de texto del colegio los órganos genitales femeninos aparecen censurados. Por el contrario, los hombres de su edad (tanto por la fuerte presión de la sociedad actual, en la cual el sexo está en todas partes, como por el hecho de tener las hormonas alborotadas) creen que pueden disponer de ella cómo y cuando les plazca, incluso si eso implica forzar a las mujeres a realizar actos sexuales con ellos aunque no lo quieran.

Dawn hace de su sexualidad un arma, con la que puede castigar a esos hombres que se comportan de manera inadecuada hacia ella. Cuando tiene una relación sexual consensuada, y en la cual es tratada con respeto, los dientes ni se asoman. La única falla que veo con el mensaje de la película es que los personajes masculinos son muy unidimensionales (por no decir que son prácticamente violadores), por lo que a la final uno queda con la sensación de que se merecen por completo lo que les pasó.

La película, si bien no es una obra maestra, tiene su interés. Cuando está en “modo comedia” funciona de maravillas. La inclusión de la leyenda urbana de la vagina dentata y su contexto histórico y cultural es un acierto. No sé si llamarla una película recomendable, pero es única. Podría sorprenderlos, así como me sorprendió a mí.

 

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Démanty noci

Diamantes de la noche (1964)

Durante la Segunda Guerra Mundial, dos muchachos judíos huyen de un campo de concentración. Intentan escapar internándose entre los bosques. Sus recuerdos, sueños, y fantasías aparecen de manera recurrente en el relato, mientras caminan por desolados y agrestes paisajes, buscando algo de comer y beber.

diamantes de la noche persecucion

Diamantes de la noche es cine casi en estado puro. Casi todo se comunica a través de sus memorables imágenes. La fotografía de Jaroslav Kucera ayuda a crear una atmósfera fría y desolada. Los movimientos de cámara son fluidos pero sutiles. Se nos muestran breves vistazos del subconsciente de los protagonistas, que desaparecen tan rápido como aparecen, gracias al trabajo de edición (aunque a medida que avanza la película dichos “retazos” aparecen por cada vez más tiempo). Por ello, su ritmo es vertiginoso, para mantener la sensación de vértigo producto de la persecución, de la huida. A duras penas hay un par de líneas de diálogo, pero los efectos de sonido son prominentes, y ayudan a reforzar o resaltar lo que se transmite en pantalla.

diamantes de la noche lluvia

La lluvia arrecia en los bosques.

Diamantes de la noche no presenta un mensaje antibélico explícito, si bien está enmarcada en el contexto del holocausto judío (y claramente los Nazis no salen muy bien parados de ésta, al ser representados como cazadores, que acechan a los protagonistas como si fueran bestias salvajes, y comen de manera voraz). Es más sobre las consecuencias de la guerra como tal, sobre el tipo de cosas que se ven forzadas a hacer las personas para escapar de la muerte. Mientras eso pasa, en su mente se suceden los recuerdos, la nostalgia de la ciudad natal, un par de fantasías eróticas/románticas (¿por qué no?), deseos de violencia, escenarios de pesadilla (como cuando uno de los muchachos imagina el ser devorado por las hormigas). A pesar del hambre, del frío, y de tener los pies heridos, siguen moviéndose. No tienen otra opción.

diamantes de la noche sueños

Angustia por el futuro, nostalgia por el pasado.

Evocadora, azarosa, a veces cruel, dura, y sobretodo muy bella, es una película con una personalidad muy propia. Dura tan solo una hora, y en ese reducido espacio es capaz de hacer grandes cosas.

 

 

Moartea domnului Lăzărescu

La muerte del señor Lăzărescu (2005)

El señor Lăzărescu, un anciano viudo de 62 años, vive solo, con sus tres gatos. No es alcohólico, pero le gusta tomarse sus traguitos. Un día, se enferma. Empieza a sufrir dolores de cabeza y de estómago. Intenta tomarse una Aspirina, pero le sienta mal y la vomita. Llama a una ambulancia, la cual no llega. Pide ayuda a sus vecinos, y éstos le dan un par de medicinas genéricas que no le ayudan de a mucho. Vuelven a llamar a una ambulancia, la cual esta vez sí llega. Así inicia el tortuoso viaje del señor Lăzărescu por los hospitales de Bucarest, en donde la negligencia médica y el sobrecupo en los centros de salud impiden que se le de una atención adecuada. Para colmo de males, un autobús se estrelló, dejando un considerable número de muertos y heridos, por lo que los hospitales están atestados de gente. No hay camas ni habitaciones ni quirófanos disponibles.

Una de las películas rumanas más aclamadas de todos los tiempos, La muerte del señor Lăzărescu trata su temática de manera extremadamente cruda y desparpajada. Está filmada de manera casi amateur, con una cámara en mano que siempre se agita (y parece ser manejada por una persona del común), y usa tomas muy largas, haciéndo de la edición un mero elemento de ensamble. Esto, combinado a su ritmo lento, y su larga duración, hacen que sea densa y abrumadora. La muerte del señor Lăzărescu no se ve, se soporta. Al verla uno siente impaciencia, angustia, desespero. Lo mismo que siente el pobre señor Lăzărescu en su agonía, esperando a ver si en algún hospital se les da la gana de atenderlo.

lazarescu ambulancia

– “¿El trabajo de los médicos no es cuidar a los pacientes?” – “Sí, ¿y cuál es el trabajo del paciente? Lo estoy llevando en ambulancia, pero usted no se ha portado bien.”

La actuación es muy mesurada y “natural”, a pesar de que se podría decir que Ioan Fiscuteanu (el señor Lăzărescu) y Luminiţa Gheorghiu (Mioara, la enfermera que lo acompaña en la ambulancia) destacan, siempre da la impresión de estar viendo personas reales. Todos los que actuaron en los papeles de médicos eran muy creíbles, a mi parecer. El guión en general es sólido, triunfa por su realismo, y por los tintes de humor seco, negrísimo que emplea (cierto que esta película es catalogada como una comedia negra, pero la verdad a mí se me hizo más deprimente que graciosa, la mayor parte del tiempo). Se nota que el director Cristi Puiu investigó bastante sobre el sistema médico a la hora de escribirlo.

lazarescu resonancia

– “Llevo toda la noche dando vueltas con él.” – “No exagere, la noche todavía es joven.”

Y es que lo critica de una manera brutal, sin pelos en la lengua. La enfermera y el conductor de la ambulancia, a pesar de que son los que mejor se portan con el protagonista, hacen su trabajo de mala gana, porque tienen que sufrir el maltrato y los insultos de los médicos, quienes se creen dioses. Los doctores, a pesar de trabajar “contrarreloj”, hacer su trabajo como pueden sin disponer de todo lo necesario, y tener una enorme presión a cuestas al atender a las víctimas del accidente, son, básicamente, unos reverendos hijos de puta, que no tienen la menor amabilidad ni respeto hacia sus pacientes.

La película muestra un sistema de salud sumido en la crisis más absoluta, sin recursos físicos ni humanos competentes para atender a las personas, y controlado por una burocracia absoluta. Todas las elecciones estilísticas (o antiestilísticas) que usa, funcionan a su favor. Resulta contundente, envolvente, indignante, y triste.

Kakushi toride no san akunin

La fortaleza escondida (1958)

Matashichi y Tahei, dos campesinos en busca de fortuna descubren oro dentro de unos leños. Pronto tropiezan con el dueño del mismo, que busca escabullirse tras líneas enemigas hacia otro territorio, con el tesoro. El malicioso par accede a ayudar al hombre misterioso, por una parte del oro. Pronto, se encuentran con una muchacha, quién se les une en su viaje. Lo que los dos campesinos no saben, es que están viajando junto a una princesa, y un general que tiene el deber de escoltarla.

La fortaleza escondida es otra de esas grandes películas épicas de samuráis por las que es tan célebre Kurosawa, con un tono algo más ligero y divertido. Minoru Chiaki y Kamatari Fujiwara, en los papeles de Tahei y Matashichi, son un dúo cómico fantástico. No hay grandes tragedias épicas como en Siete Samuráis o Trono de sangre. Si bien evidentemente hay batallas, lucha y muerte, el foco está es en la gran aventura. Persecuciones, duelos, recorridos por agrestes paisajes montañosos.

paisajes fortaleza escondida

Esta fue la primera película que Kurosawa filmó en formato de pantalla ancha. El uso de la profundidad de campo es deslumbrante, en especial cuando muestra estos paisajes.

La película está bien escrita y concebida, se balancean adecuadamente el tono heroico y el cómico, en una historia que tiene la particularidad de ser contada a través de la perspectiva de los personajes menos heroicos, que siempre tienen algún apunte gracioso, o sufren las consecuencias de su codicia de hilarantes maneras. Sin embargo, y a pesar de que avanza con un ritmo adecuado, en ocasiones hay escenas que llegan a sentirse demasiado largas, particularmente durante la primera mitad.

duelo fortaleza escondida

El célebre duelo se me hizo un poquito largo también, pero está tan bien montado y coreografiado que lo compensa con creces.

La enseñanza final es casi como la de una fábula, nuestros protagonistas realizan un viaje impulsados por la codicia, dispuestos a traicionarse entre sí con tal de quedarse con el oro, pero en el camino descubren el verdadero valor de la amistad, un tesoro más grande que ninguno. También resulta interesante el papel de la princesa, el cual subvierte los roles de género al ser una muchacha fuerte, decidida y arriesgada. Los años no han hecho mella en La fortaleza escondida, la película sigue siendo tan fresca y emocionante como cuando fue lanzada.

tahei matashichi

“Sigamos siendo amigos en el cielo.”

 

After Hours

After Hours (1985)

Paul Hackett trabaja en un enorme edificio de oficinas en Nueva York y tiene el insignificante cargo de procesador de palabras. Al salir de la oficina, conoce a Marcy Franklin en un café. Los dos quedan para una cita más tarde en el apartamento de Kiki, una escultora amiga de Marcy, la cual será el inicio de una serie de extrañas, descabelladas y desesperadas aventuras que vivirá Paul esa noche.

Una de las películas más particulares de Scorsese, a pesar de la aparición de elementos recurrentes en la filmografía del autor como la ciudad de Nueva York, o la soledad masculina. Surgió a partir del guión de un estudiante de cine, Joseph Minion. Dicho guión es lo mejor de la película. Las situaciones aparentemente normales que se presentan al principio van tornándose cada vez más alocadas, haciendo gala de un humor negro finísimo. Uno podría pensar que Minion pudo haber tenido una brillante carrera como guionista, pero por desgracia, resultó que los primeros 30 minutos de la película eran un plagio casi literal de un monólogo de Joe Frank, lo que le acarreó ciertos problemas legales.

marcy after hours

“I feel like something incredible is really gonna happen here.”

Otro triunfo de After Hours es su logradísima atmósfera nocturna. Viéndola uno realmente se siente como vagando en la ciudad a altas horas de la noche. La iluminación es apropiadamente tenue, y la música está muy bien escogida (tanto la de ambiente como las canciones de música popular que introduce Scorsese). El hecho de que fuera filmada en las lluviosas calles del mismo barrio SoHo de Manhattan en donde toma lugar la acción ayuda a su verosimilitud. Griffin Dunne hace un muy buen trabajo en el papel de Paul, un tipo común y corriente con el que todos nos podemos identificar, que lentamente empieza a desesperarse cada vez más al no poder volver a su casa. El protagonista parece regido por la ley de Murphy.

soho after hours

“What do you want from me? What have I done? I’m just a word processor, for Christ’s sake!”

Un desfile de las figuras más particulares se sucede en la película. Mujeres atormentadas, artistas con estilos de vida alternativos, punks, funcionarios públicos insolidarios, taxistas groseros, camareras de bar desencantadas, vecinos paranoicos… Ninguna de estas personas se deja ver durante el día, donde todo es normal en Nueva York. Es en la noche, luego de que cierran casi todos los locales, y la ciudad está vacía, en donde emergen a la superficie.

Por ello, After Hours es tan hilarante como angustiante. Hay algo oscuro que subyace bajo lo cómico. La improbable mezcla de humor y suspenso funciona de maravillas. Casi se puede establecer un paralelismo entre ésta película y Taxi Driver, si bien la que nos ocupa es mucho menos sórdida, y está mucho menos preocupada por su temática, al ser, en palabras del director, “un ejercicio de estilo”. Esto no hace inferior a After Hours, la cual de hecho, es una de las obras más infravaloradas y entretenidas de Scorsese.

diner after hours

Le beau Serge

El bello Sergio (1958)

François vuelve a su pueblo natal para pasar el invierno allí, luego de haber sufrido una enfermedad pulmonar. Allí, se encuentra con que su viejo amigo Serge tiene problemas de alcoholismo, al sentirse insatisfecho con su vida. Serge había planeado irse del pueblo a estudiar, pero no pudo hacerlo, ya que su mujer Yvonne quedó embarazada. Sin embargo, el bebé nació muerto. Ahora, ella está esperando otro hijo de Serge, pero él no parece muy entusiasmado con ello. François quiere ayudar a su amigo, a pesar de que nadie ha pedido su ayuda, y a pesar de que parece no haber esperanza para Serge. Para colmo, el par de amigos han tenido aventuras amorosas con la misma mujer, Marie, una inescrupulosa muchacha de 17 años.

Le Beau Serge constituye una de las primeras miradas a esta nueva forma de ver el cine que concibieron los franceses a finales de los 50 y principios de los 60. Chabrol tenía poco presupuesto, y decidió filmar en el pueblo donde vivió su madre. Por ello, toda locación pertenece al pueblo, en lugar de ser parte de un set. Lo mismo con la escenografía. La fotografía es bonita y sencilla, y aprovecha la luz natural (como harían todos los directores de la Nouvelle Vague). La cámara sigue de manera insistente a los personajes.

serge arrastrando nieve

En esta última secuencia en medio de la nieve, no se usa la luz natural sino la luz de la linterna que lleva el protagonista. De resto, sólo hay penumbra. El resultado es bastante agradable a la vista, en mi opinión.

De hecho resulta curioso el hecho de que Chabrol haya adaptado técnicas propias de un thriller Hollywoodense (en el manejo de cámara y el uso de la música) y la figura del “rebelde sin causa” en el marco de una historia rural. Sin embargo, era parte fundamental de la filosofía de la Nueva Ola el experimentar con este tipo de cosas. Dentro de unos años estos directores irían más lejos todavía. La película que nos ocupa narra una historia directa, al punto, y lo hace de buena manera.

serge soliloquio cementerio

“Ese bebé me arruinó todo. ¡La maldita hija de Glomaud! ¡Dos años y pude haber pasado mis exámenes! Y sin mi título. ¡Y sin mi título! Los tres pudimos haber salido de aquí. Hubiera trabajado, hecho algo de dinero. ¡Es este podrido lugar! Ese niño lo arruinó todo, ¡el niño de la puta hija de Glomaud! Todos esos niños que nacen sólo para morir…”

La película hace una crítica de las costumbres de la vida rural. Los hombres llevan vidas familiares/conyugales disfuncionales, maltratan e incluso abusan de las mujeres, se embriagan y están resignados a una vida de miseria y pobreza. Desconfían de los citadinos, creen que éstos no pueden entender su estilo de vida, y tienen un complejo de inferioridad hacia ellos. François es visto como un marginado. Él, por su parte, está anclado en su propia perspectiva de las cosas, y analiza a los habitantes del pueblo a partir de sus propios prejuicios y concepciones. Esto crea una dinámica interesante entre la gente del campo vs. la gente de la ciudad. Existe una barrera entre las dos partes.

conversacion francois serge

– “Ustedes son como animales. Como si no tuvieran un propósito en la vida.” – “¡Así es! ¿Dónde encontraríamos uno? La gente aquí gana apenas lo necesario para no morirse de hambre. La tierra… ¡Es granito! Trabajan porque no hay más que hacer.”

Esto es, en pocas palabras, Le Beau Serge. Resulta destacable por su naturalismo, porque pudo hacer lo que se propuso sin necesidad de grandes artificios técnicos o presupuestales. Tan sencilla y verosímil como bella y reflexiva. Una muy buena obra debut.

The Night of the Hunter

La noche del cazador (1955)

El reverendo Harry Powell es un asesino serial, que mata principalmente mujeres viudas. Cuando es arrestado por conducir un carro robado, termina en la misma celda que un condenado a muerte, Ben Harper. Resulta que Harper se había robado 10.000 dólares, matando a dos personas en el proceso. Los hijos de Harper escondieron el dinero, y juraron no revelar su ubicación a nadie, ni siquiera a su madre. Pero accidentalmente, Harper, entre sueños, le revela estos detalles a Powell, por lo que este decide ir tras el dinero. Para ello, se acerca a la familia Harper, con la intención de casarse con la viuda, Willa, y de sonsacarle el secreto de la ubicación del “tesoro” a los dos niños, John y Pearl.

Uno de los film noir más originales que se han hecho, The Night of the Hunter está envuelto en una atmósfera de una turbidez pantanosa. Es cierto que todas las películas de la serie negra le deben al cine expresionista alemán, en cuanto a iluminación (claroscuros), angulaciones inusuales y composiciones desbalanceadas, pero con el tiempo esas influencias se fueron haciendo más sutiles hasta difuminarse en un estilo más propio. Sin embargo, la película que nos ocupa retoma con mucha más fuerza estas influencias del cine mudo. El diálogo en ocasiones es deliberadamente obtuso, embotado, y franco, a veces parecen los textos que salen en los intertítulos de aquel viejo cine no sonoro. El ritmo es constantemente acelerado y tenso. Una hora y media se van en menos de nada.

habitacion willa night hunter

El trabajo en la fotografía de Stanley Cortez es espléndido. El contraste entre la luz y la oscuridad es pronunciadísimo. El particular acentuamiento de las figuras geométricas en este plano es expresionismo puro.

El resultado es excepcional. El film proyecta una aura oscura de una magnitud muy superior a la del noir promedio. Esto, junto con su temática, la hacen cercana incluso al cine de terror. Robert Mitchum interpreta a un reverendo Powell absolutamente escalofriante, destila maldad pura. En oposición a él está nada menos que la leyenda del cine mudo, Lillian Gish, interpretando a la señora Cooper, la madre sustituta de los niños, benévola, valiente, firme, y amorosa. Este par francamente opaca al resto del reparto (personajes como la niña o la mujer de la tienda se me hacen insoportables, aunque la primera de ellas es medianamente excusable por su edad).

powell monstruo

A veces Powell es mostrado casi como un ser de carácter sobrenatural, como uno de aquellos espantos de las viejas películas de terror.

La eterna lucha entre el bien y el mal se pone de manifiesto aquí (hasta en los infames e icónicos tatuajes de “LOVE” y “HATE” de los nudillos de Powell), así como los males del extremismo religioso, del cual se aprovecha el reverendo para ganarse tanto el favor de los aldeanos, como la devoción de Willa. Si bien la naturaleza de The Night of the Hunter es bastante macabra, tiene el espíritu de un cuento de hadas. Su atmósfera irrealista acentúa su carácter. Por eso es natural que sean las fuerzas del bien las que triunfen al final.

Cuando el film salió, en 1955, fue duramente atacado por la crítica, además de ser un fracaso de taquilla. Charles Laughton no volvió a dirigir una película nunca. Hoy es reconocida como una de las mejores del género, y de la historia, y ha influenciado a muchos directores. A veces pienso que en esa época simplemente no estaban listos para The Night of the Hunter.

escena bote niños

“They abide and they endure.”