Lars y la chica real

Lars and the Real Girl (2007)

Lars es un hombre con problemas para relacionarse con los demás. Vive en el garaje de una casa que heredaron él y su hermano Gus, quien vive con su esposa, Karin. Lars no tiene novia, a pesar de que no es un tipo feo, y de que una compañera del trabajo gusta de él. Un día, llega un paquete a su casa. Es una muñeca sexual a la que le pone el nombre de Bianca, y a la cual trata como su novia. Gus y Karin deciden llevarlo a donde la doctora de la familia, Dagmar, que también es psicóloga. La doctora les aconseja que le sigan el juego a Lars hasta que supere la necesidad de andar con la muñeca, ya que él sufre de un delirio mental causada por los traumas de su pasado.

Una película peculiar y difícil de valorar. Por una parte, su historia raya en lo absurdo, y su desarrollo es fantasioso. Hubo muchos aspectos de la relación entre los dos hermanos en los que se pudo haber ahondado, para darle más profundidad a los personajes, cosa que no se hizo. Se dejaron cosas en el aire sin darles una resolución. En lugar de ello, se enfatizó demasiado el aspecto de la relación de Lars con la muñeca, algo que no es ni gracioso ni enternecedor. El acierto de la película está en mostrar como la gente llega a tolerar y aceptar a Lars con sus peculiaridades, pero aún esto resulta demasiado idílico. Ryan Gosling, a pesar de sí mismo, es creíble haciendo de un tipo introvertido e incómodo (el bigote ayuda). No lo es así Paul Schneider, que la verdad está flojísimo. Las actrices del elenco hacen mejor trabajo, en especial Emily Mortimer.

lars muñeca

A los personajes se les mira con compasión, siempre entendiendo sus reacciones, nunca juzgando. Es por esto que, a pesar de sus fallas, la película funciona.

Puede ser que, tal vez en el mundo real, no todos los vecinos se hubieran puesto de acuerdo para tratar a Bianca como una persona. Muchos hubieran seguido burlándose de Lars, quien seguiría aislado con su muñeca. Para poder encontrar algo de disfrute en esta película, hay que abandonar toda pretensión de realismo. Al hacerlo, el espectador encontrará una historia que muestra el valor de la tolerancia, y el bien que esto le hace a una persona con miedo de abrirse ante los demás, por culpa de los prejuicios. Utilizando a Bianca como vehículo, Lars logra por fin fortalecer sus relaciones con los demás, pero esto es sólo gracias a su comprensión.

lars terapeuta

Mención especial merece la figura de la doctora, que personifica la empatía que Lars necesita para salir adelante en su vida. Sus escenas son lo mejor del film.

A pesar de sus flaquezas, la película logra que el espectador simpatice con la situación que presenta en pantalla, y su premisa singular hace que sea difícil de olvidar. Puede ser incómoda por momentos, o sentimental (a pesar de que hace deliberados esfuerzos por evitarlo), pero es una curiosidad que merece ser vista al menos una vez.

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El día más feliz en la vida de Olli Mäki

Hymyilevä mies (2016)

Olli Mäki queda inscrito para el campeonato mundial de boxeo en la categoría peso pluma, a pesar de que tiene un par de kilos más de los estipulados. Debe entrenar intensamente antes de su gran pelea, pero cuando se enamora de Ralja, se verá forzado a cuestionar sus prioridades.

Basada parcialmente en la vida real de un boxeador finlandés, El día más feliz en la vida de Olli Mäki es una discreta película con un carácter casi que de anécdota. No es una historia tormentosa de grandes luchas, ni una tragedia, ni relata sucesos difíciles de creer. No está enfocada como tal en el campeonato de boxeo, ni en la pelea que decide todo. Presenta una especie de conflicto entre el amor y el deber, sin convertirlo en un drama. Los actores están bastante bien, interpretan de manera convincente a sus personajes. Frecuentemente la cámara se detiene en las miradas de los dos enamorados, y en lo que los dos se expresan a través de las mismas, pero de manera muy casual, casi de pasada. La edición es abrupta, y los cortes de cada escena tienden a suceder cuando se ha comunicado apenas lo esencial. No hay detenimiento ni contemplación, siempre se avanza continuamente.

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La fotografía a blanco y negro hace que la película se vea antigua, como si hubiera sido filmado en la década de 1960 (periodo en el que transcurre la acción) y no en 2016.

La película se siente cotidiana, explorando de manera franca los dilemas a los que se puede ver enfrentada una persona al priorizar adecuadamente los aspectos profesionales y sentimentales de sus vidas. Olli está dividido entre pasar tiempo con su novia y entrenar, y frecuentemente, parece que quisiera estar haciendo lo primero y no lo segundo. La gente suele encumbrar a los deportistas, viendo sus logros como los logros de una nación, pero el protagonista es un hombre humilde, al cual las exigencias de un torneo profesional no lo entusiasman, más las cumple porque son necesarias. Adicionalmente, Olli es un muchacho del campo, que, por gajes del oficio, tiene que verse obligado a codearse con gente de la alta sociedad de la ciudad de Helsinki, aunque esto no le entusiasma mucho. En últimas, la vida misma le muestra lo que debía pasar, no lo que su manager y la prensa querían que pasara.

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Encuentra al amor de su vida así, de repente, en el momento en que tenía que llegar.

El día más feliz en la vida de Olli Mäki es relajada y pasa con una rapidez que impide que el espectador se aburra de su simplísima premisa. Tiene momentos de dulzura, pero no es muy emocional, y al verla se siente como cuando una persona relata un buen recuerdo.

In Bruges

En Brujas (2008)

Ray es un sicario irlandés al que le encargan el asesinato de un sacerdote. Accidentalmente, termina matando a un niño junto con el clérigo. Por ello, le ordenan huir a Brujas, en Bélgica, con su amigo Ken. Allí, el par debe esperar las órdenes de su jefe Harry, pero el propósito de su misión tiene un giro inesperado.

El primer largometraje del dramaturgo Martin McDonagh es una memorable mezcla entre comedia negra y película de gángsters, en donde el ingenioso guión se lleva los aplausos. El diálogo es agudo y muy cómico, y las situaciones de la trama son impredecibles. Hay varias ocasiones de humor visual bien logradas. Colin Farrell está estupendo en un papel protagónico de muchas facetas, que se debate entre el fastidio y el desinterés hacia un lugar histórico, la timidez de alguien que se acaba de enamorar, la culpa de alguien que ha hecho algo horrible por accidente y las tendencias suicidas que desencadena la incapacidad de lidiar con dicha culpa. El resto del elenco también hace un gran trabajo, con Brendan Gleeson representando a un hombre gentil y compasivo (a pesar de su oficio) y Ralph Fiennes trayendo a la vida a un irascible y grosero Harry, que resulta ser un gran villano.

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– “Harry, eso es un puto objeto inanimado.”
– “¡TÚ ERES UN PUTO OBJETO INANIMADO!”

Con todo, la película llega a volverse un poco desequilibrada, en la medida en que sus abruptos cambios de tono pueden llegar a ser chocantes. Es demasiado cómica para que ocurran momentos tan sangrientos (en especial durante el clímax) sin que estos se sientan fuera de lugar. Afortunadamente, el trabajo de los actores hace todo el asunto lo suficientemente creíble. La temática de En Brujas es bastante particular, cuestionando la validez de los principios morales de este grupo de hombres, que buscan mantener su honor a toda costa, a pesar de que son asesinos a sueldo. Solo la culpa, aceptada en el sentido más católico del término, es lo que permite la redención, y por consiguiente la salvación del hombre. Por lo demás, la ciudad de Brujas tiene una connotación casi que de purgatorio, un lugar detenido en el tiempo, en donde los personajes expían sus pecados.

bruges catolicismo

Las nociones de culpas, expiación, purgatorio y demás conceptos asociados al catolicismo son reforzados por la presencia de iconografía religiosa en ciertos puntos a lo largo del film.

En Brujas combina varios elementos diversos para crear una obra idiosincrática, que a pesar de no ser perfecta, es muy entretenida e inteligente, y tiene muchas frases y escenas memorables, que podría citar, pero no lo haré porque no se las quiero arruinar al que no haya visto la película. Imperdible.

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El manuscrito encontrado en Zaragoza (1965)

Durante las guerras Napoleónicas, un oficial encuentra un viejo libro que relata la historia de uno de sus antepasados, Alfonso de Worden, un capitán de Valonia que se embarca en un viaje para prestar servicio en el ejército de España. Durante su viaje, Alfonso se encuentra con dos princesas musulmanas, la Inquisición, un cabalista, un gitano y demás figuras que le relatan historias fantásticas.

Si tuviera que describir esta película con una palabra, diría que es mágica. Mezcla los elementos cómicos y eróticos de los cuentos picarescos, el horror gótico/sobrenatural, el romance, y la sátira. La dirección de arte es suntuosa y llamativa, y logra conjurar la apariencia de un país de la Europa mediterránea del siglo XVIII (digamos que una España ficticia, pero creíble). No parece haber sido grabada en Polonia. Zbigniew Cybulski tiene un gran sentido de la comedia, interpretando a un protagonista valiente pero tozudo y de moral ambigua. Adicionalmente, se destaca por sobre el resto del reparto Zdzisław Maklakiewicz, interpretando a Don Roque Busqueros, un pícaro manipulador con buenas intenciones. La música de Krzysztof Penderecki es bellísima, sus composiciones alternan entre música folklórica española, temas barrocos y sonidos electrónicos. Cada uno de estos tres diferentes tipos de música es usado para ambientar diferentes momentos, nunca llevándose el protagonismo, pero enfatizando el mood de las escenas.

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De la combinación entre escenas sugestivas (las actrices son estupendas, desplegando sensualidad con una sutileza casi sublime) y elementos ocultistas (como el exotismo de rasgos orientales presente en la escenografía, y la simbología) surge una alquimia que le da a la película su carácter particular.

El guión de Tadeusz Kwiatkowski es la columna vertebral del film, y presenta una narrativa compleja, que se desenvuelve casi que en fractales, hasta cerrarse en un círculo que cierra el ciclo, para volverlo a empezar. Llega un punto en el que el espectador está viendo una historia dentro de una historia que a su vez está dentro de otra historia que está contenida dentro de otra historia que a su vez está dentro de otra historia. Pero la trama se desarrolla con tanta habilidad que la película nunca es confusa, y, en todo caso, la acumulación de tramas paralelas se termina usando para efecto cómico. Temáticas como el libertinaje de la nobleza, los conflictos por dinero, las incursiones en conocimientos arcanos, el surgimiento de la edad de la razón y su lucha contra la superstición (matemáticos, inquisidores, y brujos desfilan a lo largo del film), y las limitaciones de la percepción a la hora de distinguir la realidad de la fantasía son tratadas de manera irónica y desenfadada, siempre a manera de fábula, en donde cada desenlace brinda en cierto modo una lección moral.

manuscrito zaragoza historias

“Todas estas aventuras comienzan de manera simple, y el oyente piensa que se van a acabar pronto, pero una historia crea otra, y después otra.”

Con todo, el manuscrito encontrado en Zaragoza es una película irreductible, en donde el todo es más que la suma de sus partes. Es una experiencia de ensueño, que construye un universo de contrastes, en donde hasta lo macabro puede ser contado con ligereza, en donde a pesar de los finales, los enigmas nunca se resuelven del todo, en donde la luz y las tinieblas bailan y beben un brebaje misterioso de un cáliz hecho con un cráneo. Una verdadera obra maestra.

 

Down by Law

Down by Law (1986)

Zack y Jack son dos hombres que por andar en malos pasos, terminan arrestados por crímenes que no cometieron, y compartiendo la misma celda. Allí pronto da a parar un tal Roberto, un inmigrante italiano que a duras penas puede hablar inglés. Pronto, los tres buscarán huir de la prisión.

Probablemente la película sobre un escape de prisión menos tensa que se haya hecho, Down by Law es una comedia seca enfocada en las interacciones de los personajes. Roberto Benigni se roba el show, interpretando a un personaje muy simpático, en contraste con los personajes de Tom Waits y John Lurie, que bien podrían ser figuras de cartón y el resultado final no cambiaría mucho. La contribución de este dúo con respecto al aspecto musical de la película resulta mucho más meritoria. El ritmo avanza lentamente, deteniéndose en las actividades que realizan los personajes, sin ninguna preocupación por una especie de tensión narrativa o algo que se le parezca. En consecuencia con todo lo anterior, este empieza a flaquear cuando no está Benigni en pantalla.

down by law

Robby Müller hace un gran trabajo en la dirección de fotografía. La atmósfera de los bajos mundos de New Orleans y de las marismas del estado de Louisiana está muy bien construida, gracias al uso de planos generales que resaltan el entorno en donde se encuentran los personajes.

Down by Law se asemeja a una anécdota contada por algún conocido. Su carácter es casi como de cuento pintoresco, en donde algo que podría ser sensacionalista ocurre de la manera más casual. Probablemente se encuentren alusiones a la decadencia de la civilización y a la falta de un futuro o un rumbo fijo para los personajes, pero en realidad la película no se fija mucho en ellas, y por lo tanto, los espectadores no tendrían por qué hacerlo. Ni siquiera las cosas que, convencionalmente, podrían ser importantes en una película sobre prisioneros, tienen relevancia acá. No hay retribución contra la gente que hizo que Zack y Jack terminaran en la prisión, ni redenciones de ningún tipo, ni una planeación meticulosa del escape. El foco del film está en disfrutar de las conversaciones, de las situaciones, de las circunstancias del día a día.

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“Hemos escapado, como en las películas americanas.”

Eso es, en pocas palabras, Down by Law. Minimalista, relajada, divertida y optimista. Demanda la paciencia del espectador pero no lo pone a pensar en grandes conceptos, y en lugar de ello, lo invita a permanecer fijado en el eterno presente que discurre en cada plano.

Bring Me the Head of Alfredo García

Tráiganme la cabeza de Alfredo García (1974)

La hija de un poderoso terrateniente mexicano conocido como “El Jefe” queda embarazada de un hombre que la abandona. El hombre resulta ser un tal Alfredo García. El Jefe promete darle un millón de dólares a la persona que le traiga la cabeza de García. Dos sicarios norteamericanos contactan a Bennie, un exsoldado gringo que trabaja en un bar en México, y le encomiendan la tarea. La novia de Bennie, Elita, le revela que García murió hace poco tiempo en un accidente de tránsito. A Bennie lo emociona el prospecto de ganar dinero sin tener que tomarse la molestia de matar a García, pero Elita trata de convencerlo de que no busque la cabeza.

Escabrosa película que mezcla elementos del cine de acción, el western, la road movie, el drama y hasta el romance, situada en un mundo de criminales, prostitutas y borrachos, romantizado hasta el punto de que adquiere una extraña belleza. La cámara se queda contemplando el paisaje mexicano, su tierra roja, sus árboles, sus cactus, sus pueblos de casas viejas, sus tiendas y sus bares. Casi se puede sentir el calor, la sed y el polvo cubriendo la piel al ver esta película, que avanza al ritmo de una procesión fúnebre, acompañada de canciones mexicanas. Es un lento viaje hacia las tinieblas, que desemboca en la catástrofe. La quietud de la película es sacudida por sus estallidos de violencia, donde se suceden planos de los cuerpos cayendo en cámara lenta y de las balas destrozándolo todo.

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Warren Oates e Isela Vega hacen un gran trabajo en sus papeles, el primero representando a un perdedor, canalla pero carismático, que cuestiona todo el tiempo el valor de su vida, y busca darle algo de sentido, la segunda, mostrando a una mujer que a pesar de su oficio, es el personaje más moral de la película.

A pesar de la naturaleza hipermasculina y misógina de la película, los códigos y patrones de comportamiento de los machos se ven subvertidos, hasta que se tornan contra ellos mismos. El Jefe quiere matar a su yerno porque abandonó a su hija, pero le emociona la perspectiva de tener un nieto varón. Al final, a él también le cae el peso de sus actos. La idea de la venganza, en particular, es llevada hasta sus últimas consecuencias. La cabeza cercenada de Alfredo García es una metáfora que representa su futilidad. Al vengador sólo le interesa su retribución, el ver destruido a su adversario cueste lo que cueste, así destruya las vidas de todos quienes se interpongan en su camino. El personaje de Bennie también llama la atención por su complejidad, y por el hecho de que sus motivaciones cambian a lo largo de la película. Inicialmente decide comprometer sus principios por dinero, pero al ver y sentir las consecuencias de sus actos, busca venganza (al igual que el Jefe), hasta arrepentirse y buscar desesperadamente una redención final. Como suele suceder en el cine de Peckinpah, este último intento de redención fallido acaba en sangre. El plano final es sutilmente horroroso. A lo largo de la película mueren decenas de personas, de manera absurda.

warren oates alfredo garcia

“¿Por qué? Porque se siente bien.”

Sin las restricciones de los estudios de Hollywood, Peckinpah pudo llevar su libertad creativa hasta sus últimas consecuencias, creando una obra apasionante, pero barbárica. La violencia es estilizada porque es reconocida como un impulso arraigado en el hombre desde épocas muy primitivas, pero no es mostrada como un espectáculo. Aquellos momentos se prolongan para resaltar lo repentinos que resultan, y la devastación que dejan a su paso. Ver la película puede dejar al espectador abatido, y con una tristeza profunda. En el viaje para recuperar la cabeza de Alfredo García, Bennie pierde toda esperanza. Así, la obra se convierte en una elegía a este personaje, un malandrín cuya vida, a pesar de estar rodeada de vicios, merecía tal vez mejores cosas.

 

 

Naked

Indefenso (1993)

Johnny es un hombre inteligente y muy leído, pero sufre de una amargura perpetua, al igual que de una tendencia hacia el sadismo. Se burla de todas las personas que se cruzan en su camino, y muestra conductas sexualmente agresivas hacia las mujeres. Luego de violar a una mujer en Manchester, se roba un carro para huir a Londres y evitar las represalias. Una vez allí, va a casa de su ex novia, Louise. Luego de seducir a la compañera de piso de su ex, Johnny sale a vagar por las calles de Londres, y tiene encuentros con extraños y marginados de la gran ciudad.

Un desolador drama que abarca temáticas como la soledad urbana, la misoginia, la pobreza, el desempleo, y hasta la angustia existencial. El diálogo es protagonista, pero tiene un carácter muy particular. Surge de una improvisación calculada, lo que hace que parezca algo irrealista, al mezclar naturalidad con artificio. En consecuencia, la película depende en gran medida del trabajo actoral, el cual está bastante bien logrado. David Thewlis es portentoso en el papel protagónico, mostrando a un hombre iracundo y cínico, pero marcado por traumas del pasado (apenas insinuados) y por su ansiedad. Más que en una trama, Leigh se enfoca en las relaciones entre los personajes. A pesar de que puedan parezcan difíciles de creer al principio, son plausibles, en especial en un entorno suburbano nada amigable. En la fotografía predominan los colores fríos y las sombras, y la música es igualmente melancólica. Estos dos elementos ayudan a crear una atmósfera de decadencia urbana, hostil y gélida.

the old highland fling there

El drama, que se hace cada vez más sombrío a medida que avanzan los minutos, es punteado por dosis de una comedia negrísima. A menudo la película recurre al humor en medio de la desesperación.

El film es un retrato crudo de la alienación de la vida urbana. En medio de una sociedad moderna desigual (es notable la diferencia de status social entre el personaje de Jeremy y el resto, más aún cuando éste es un sociópata que hace lo que se le da la gana y siempre sale impune), donde parece no haber futuro para miles de desempleados, donde la gente que tiene empleo tiene trabajos de pacotilla, donde las relaciones sociales se erosionan hasta que sólo queda la indiferencia y la falta de empatía (no más hay que ver cómo termina siendo tratada Sophie por el resto de personajes, aunque todos son rudos el uno con el otro), y donde las mujeres son tratadas peor que un objeto, es difícil hallar la esperanza, o darle un sentido a la existencia. La perspectiva pesimista de Johnny está influenciada en gran medida por su entorno. En su desespero, el protagonista no es capaz de hacer otra cosa que burlarse de todo y de todos, soltando diatribas en contra de la humanidad entera y de la existencia misma, porque no logra hallarse en la sociedad, y se odia a sí mismo más que a nadie. El protagonista se impulsa hacia una espiral de autodestrucción, y se niega a sí mismo el escape de aquel abismo, incluso cuando tiene personas que se preocupan por él, a pesar de que es un imbécil egocéntrico y violento. Johnny tiene una fijación por el apocalipsis y está convencido de que sucederá pronto en un mundo que se desmorona, pero la única aniquilación que logra es la de su propia persona.

johnny naked scream

“Bueno, ¡escuchen! ¡¿A alguien le molesta si grito aquí?! ¡¿No tienen problema con ello?! Porque me haría sentir mejor, ¡no tomará mucho tiempo! ¡AAAAAAAAAAAAAAAAA! ¡AAAAAAAAAAAAAAAAAGGGGGH!”

Indefenso es una película que atrapa gracias a su atmósfera gris, su humor mórbido y su ritmo bien manejado, pero que no es fácil de ver. Sus repetidas escenas de violencia contra la mujer son perturbadoras, y los discursos de Johnny, así como las situaciones en que se ve envuelto, se tornan cada vez más desesperantes. A lo largo de la película, la cosa va de mal en peor para el protagonista. Con todo, hay muchas cosas para analizar y pensar con respecto a Indefenso, porque no es una película a la que se le agarra el gusto a la primera, está llena de matices y sutilezas (que abarcan desde citas bíblicas hasta referencias a Hitchcock), a pesar de que a primera vista pueda parecer que estamos viendo a un tipo despotricando contra el mundo y portándose como una basura con las mujeres durante dos horas. Leigh hace una obra ingeniosa pero implacable, en la que se preocupa por sus personajes lo suficiente para humanizarlos, pero les da el peor de los tratos, situándolos en un callejón sin salida.

sickness and purgatory

“¿Has pensado en que… tal vez, sin saberlo, ya viviste el momento más feliz de toda tu puta vida, y todo lo que te espera es una enfermedad y un purgatorio?”