Mies vailla menneisyyttä

El hombre sin pasado (2002)

Un hombre llega a Helsinki, donde unos asaltantes le dan una paliza tan dura que se queda amnésico. Incapaz de recordar quién es, o qué hacía, o si tiene amigos o parientes, empieza a rehacer su vida en las afueras de la ciudad, junto a los marginados de la sociedad. Pronto conoce a una mujer que trabaja en el Ejército de Salvación, y se enamoran.

En El hombre sin pasado hay una escena en donde la banda del Ejército de Salvación toca una canción cuya letra habla del corazón del hombre, de todas las cosas buenas y malas que puede abarcar. Dicha canción podría ser un resumen de esta gran película, en donde Kaurismäki hace una radiografía del corazón humano, valiéndose de su humor seco. Los personajes parecen estatuas, su lenguaje corporal es muy reducido, y sus (pocas) expresiones faciales son muy sutiles como para notarlas. Las angulaciones bajas con las que son filmados los hace ver aún más rígidos. Las acciones de los personajes, y las situaciones en las que se ven envueltos son las encargadas de transmitir las emociones de las escenas. Los diálogos son reducidos, pero muy certeros.

el hombre sin pasado

La pareja protagonista hace un trabajo genial, manteniendo la inexpresividad, pero sugiriendo bajo ella unos carácteres muy particulares, con sus necesidades, y sus anhelos.

El contraste entre los entornos en que se desarrolla la acción también señala aspectos significativos sobre el carácter de los personajes. El barrio marginal tiene más colores, y estos son más cálidos que los de la ciudad como tal, que es una mole de concreto gris y fría. La música es prominente en varias escenas, desde tangos melancólicos hasta animadas canciones de rock ‘n’ roll, y es un factor igualmente importante a la hora de establecer el carácter de cada escena. Gran parte del humor proviene de lo cruel, triste, o decepcionante que les pasa a los personajes (aunque Kaurismäki los compadece y nunca se burla de ellos), así como de la subversión de los clichés que el espectador esperaría encontrar en una película sobre un hombre que pierde la memoria.

hombre sin pasado palo golpe

“Esto se me ocurrió porque lo vi en una película cuando era niño, un hombre se golpeaba la cabeza, perdía la memoria y la recuperaba cuando le volvieron a pegar en el mismo lugar.”

Para empezar, la película no se trata de un hombre que recupera sus recuerdos y su identidad. Se trata de alguien al que la vida le ha dado un golpe durísimo (literal y figuradamente) del cual debe levantarse y seguir adelante. La situación está muy difícil para él, pero acepta que tiene que arreglárselas con lo que tiene, y hacer lo mejor con lo que se le da. En su camino, se encuentra con todo el espectro de las emociones humanas, con todas sus contradicciones: compasión y brutalidad, generosidad y avaricia, honor y criminalidad, y lidia con lo que se le atraviesa con una calma admirable. La solidaridad es aquello que comparten los marginados, que hace sus vidas llevaderas, que les da el impulso para continuar.

hombre sin pasado oficina

A modo de contraste, se muestra la inutilidad de la burocracia y su completa incapacidad de servir a los ciudadanos, junto con una crítica al sistema bancario.

La naturaleza engañosamente simple y austera de El hombre sin pasado es lo que le permite abordar un rango tan amplio de temáticas y estados de ánimo (tiene un bello romance, un asalto a un banco, y muchas otras cosas más, sin el más mínimo dejo de dramatismo), en apenas 90 minutos. Incluso hay lugar para el optimismo, en medio de la más cruda desolación. El film parece deslustrado y apático, pero en realidad es profundamente cálido y hasta conmovedor, casi como el magnífico personaje de Kati Outinen, la mujer solitaria pero caritativa que oculta un profundo deseo de sentirse amada. Muchos no comprenderán el frío sentido del humor del director finlandés (aunque esta película fue incluso nominada a un Óscar), pero bajo él subyace una profunda humanidad.

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The Masque of the Red Death

La máscara de la muerte roja (1964)

La plaga conocida como la Muerte Roja llega a una aldea gobernada por el príncipe Prospero, un satanista que secuestra a una muchacha llamada Francesca, junto con los dos hombres que más ama ella: su padre y su novio. Prospero invita a varios nobles a su castillo, donde estarán protegidos de la plaga, mientras asisten a un baile de máscaras. La atmósfera general es de corrupción y depravación, y el príncipe intenta atraer a la inocente y pura Francesca hacia el lado oscuro, mientras sus seres queridos sufren en las mazmorras del castillo.

Extravagante despliegue de horror gótico, que toma como base el argumento de dos cuentos de Poe (La máscara de la muerte roja y Hop-Frog), y les añade un par de cuestionamientos existenciales sobre la moral y la fe. El trabajo de dirección de arte es elaborado: suntuosos decorados, vestuario exótico, velas, telarañas, viejos muros de piedra, y mazmorras, construyen la tenebrosa atmósfera del castillo donde transcurre la historia. El uso del color es llamativo, y, además de comunicar los horrores de la plaga, contribuye a darle un toque carnavalesco a la acción. Las tomas largas y planos generales ayudan a resaltar el carácter opresivo del entorno en el que están encerrados los personajes, al sepultarlos debajo de los coloridos decorados, construyendo una sensación de claustrofobia.

vincent price prospero

Vincent Price sobreactúa hasta el punto del ridículo, pero hay algo hipnotizante en su interpretación del diabólico príncipe Prospero.

Durante la parte inicial, la película sucumbe ante las inclinaciones teatrales de sus parlamentos, pero, afortunadamente, la situación se remedia a medida que avanzan los minutos, gracias a que lentamente la factura visual (que incluye una secuencia onírica en donde desfilan demonios de varias civilizaciones) va envolviendo al espectador y encargándose de tomar las riendas de la historia.

muerte roja

La intrusión de la Muerte Roja en el castillo desencadena un clímax muy bien ejecutado.

Corman estaba consciente de las similitudes entre su película y El Séptimo Sello, por lo que decidió abordar el tema de la mortalidad y la fe de manera distinta al maestro sueco. En donde Bergman era austero y reflexivo, Corman es grandilocuente y calamitoso. La conclusión de Corman es que puede que la fe y la virtud no salven a nadie de la muerte, pero tampoco lo harán el rechazo de Dios ni el llevar una vida de placeres mundanos. El goce al que se entrega Prospero no es capaz de aliviar su miedo de morir, es solo un paliativo para distraerse ante lo inevitable. La muerte une a todos los hombres, justos y pecadores, ricos y pobres.

prospero muerte roja

“Cada hombre se crea su propio Dios, su propio cielo y su propio infierno.”

Con esta sombría conclusión nos deja La máscara de la muerte roja. Puede que para las sensibilidades modernas, sea una película ingenua (a ratos da más risa que miedo). Existen un par de errores de continuidad, y su sensibilidad se acerca al camp. A pesar de esto, es ambiciosa, elegante, y su visión fatalista da de qué pensar, cosa que no se puede decir de muchas obras del género. Lo que le hace falta en sustos lo compensa con su atmósfera y temas, que, entre otras cosas, le dan una extraña belleza. Una ventana hacia un mundo fantástico de pesadilla.

Notorious

Encadenados (1946)

Durante la Segunda Guerra Mundial, Devlin, un agente del FBI, se enamora de Alicia Huberman, quien lleva una vida disoluta, y le encomienda una misión: seducir a Sebastian, un empresario alemán del cual se sospecha que desarrolla armas nucleares. La situación se complica cuando Sebastian le propone matrimonio a Alicia.

Una película notable por ser una de las más personales de Hitchcock a pesar de su típica meticulosa construcción, en donde cada uno de sus elementos se acopla de manera tan precisa con los otros, que el resultado es como una obra de relojería. El balance entre el desarrollo de los personajes y el avance de la trama se mantiene todo el tiempo, ninguno de estos dos aspectos se sobrepone por sobre el otro. Los motivos visuales usados por Hitchcock (las llaves, las botellas de vino, las tazas de café) son sencillos, pero de una efectividad tremenda. Cada encuadre, cada movimiento de cámara (el manejo de los planos largos es muy logrado) contribuye a construir la intriga, que va creciendo a medida que pasan los minutos.

notorious casting

Los cuatro actores principales del reparto hacen un trabajo excepcional.

Las relaciones entre los personajes son el motor principal de la historia. Hay una contraste interesante entre el héroe y el villano que se disputan el amor de Alicia, ya que mientras Devlin envía a la mujer que supuestamente ama a un destino que ella rechaza, Sebastian se desvive por ella, entregándole toda su confianza. El héroe es amargado y hosco, el villano cálido y sensible. Hay casi que una subversión de roles que les añade profundidad a los personajes. La figura de la madre de Sebastian es genial, ya que es el personaje más siniestro de la película, quien mueve los hilos, y tiene control sobre la vida de su hijo. En el fondo subyacen cuestiones interesantes sobre la relación entre el amor y el deber, y los límites que existen entre estas dos cosas.

notorious botella uranio

Resulta interesante la manera en que Sebastien descubre que su mujer es una espía: al ver rota la botella de vino que estaba llena de uranio. Es puramente visual.

Notorious marcó un hito en la carrera de Hitchcock al ser una película en donde los personajes jugaban un papel crucial a la hora de impulsar la historia, en lugar de que ésta se impulsara porque algo les pasase a ellos. El suspense está vinculado a las emociones de los personajes, mostrando que no necesariamente tiene que nacer del miedo. Magistralmente dirigida, no tiene puntos flojos por ningún lado, y resulta entretenida y muy moderna (hay que imaginar la reacción que causaría la famosa escena del beso cuando las audiencias la vieron por primera vez), a pesar de la época en que se realizó.

 

The Straight Story

Una historia sencilla (1999)

Alvin Straight y su hermano, Lyle, son un par de ancianos que pelearon hace muchos años, y no se hablan desde aquel entonces. Pero cuando Lyle sufre un ataque, Alvin decide ir a visitarlo. La salud de Alvin tampoco está en óptimas condiciones: sufre de la cadera y tiene que usar dos bastones para caminar, aparte, no ve bien, por lo que le revocaron su licencia de conducir. Por ello, emprende su viaje a bordo de una podadora de césped.

La película más experimental de David Lynch (según sus propias palabras) no tiene violencia, contenido sexual, groserías, personajillos perturbadores, enigmas por resolver, ni mucho menos secuencias surrealistas, ni atmósferas pesadillescas. Fascinado con el guión de John Roach y Mary Sweeney (la editora de varias de sus películas, quien evidentemente realizó la misma labor aquí), el director decidió dirigir esta road movie apta para toda la familia, basada en una historia real. El resultado es una de sus películas mejor logradas. Su simplísima historia avanza a un ritmo pausado, con mucha mesura, traduciendo en cada plano la parsimonia con la que anda Alvin Straight en su podadora. Los parajes soleados y campos de maíz y trigo dorado que recorre la cámara le dan a la película una atmósfera cálida. La música de Angelo Badalamenti es preciosa, dulce y melancólica, y ayuda a enfatizar el impacto emocional de las escenas.

richard farnsworth

La magnífica interpretación de Richard Farnsworth trae a la vida todo el dolor y agotamiento, tanto físico como emocional, que sufre el protagonista. El actor estaba paralizado de la cintura para abajo, sufriendo de los huesos, como Alvin. Seguramente los movimientos forzosos y tortuosos del personaje no eran simulados.

Una historia sencilla es una película que habla sobre la expiación de las culpas pasadas. Alvin Straight es un hombre atormentado, que, más que sentir nostalgia por su juventud, busca desesperadamente hacer las paces con su pasado antes de morir. Ahora que ya es viejo, y está débil, sabe que no valía la pena guardar resentimientos por tantos años, y quiere dejar atrás las cosas malas que ha hecho y las tragedias que ha tenido que enfrentar. Las situaciones que enfrenta a lo largo de su peregrinaje lo llevan a darles una o dos lecciones valiosas a los personajes con los que se cruza, pero de manera muy sutil, sin sermones, simplemente hablando desde su propia experiencia de vida. Es un hombre de contrastes, al que el sufrimiento lo ha tornado también sabio y benévolo.

alvin podadora

“Mi hermano y yo nos dijimos cosas imperdonables la última vez que nos vimos, pero estoy tratando de dejar eso atrás. Y este viaje es una manera dura de tragarme mi orgullo. Sólo espero que no sea demasiado tarde.”

Una historia sencilla es un compasivo retrato de la fragilidad de la vejez, y una hermosa parábola de redención, en donde se muestra que el perdón es la mejor manera de conseguir la paz y seguir adelante. Esta película saca a la luz al Lynch humanista de El Hombre Elefante, con un resultado mucho menos oscuro y más reconfortante, si cabe llamarlo así. Conmovedora pero sencilla, es capaz de expresar un amplio rango de emociones, y llegar hasta lo más profundo del alma del espectador. Es tan bella que me atrevo a decir que es una obra maestra infravalorada, y recomendada incluso para (¿o especialmente para?) quienes no gustan del estilo del director norteamericano.

 

The Wolf of Wall Street

El lobo de Wall Street (2013)

La historia de Jordan Belfort, un corredor de bolsa que se hizo multimillonario con su compañía Stratton Oakmont, vendiendo acciones a un precio mucho más alto del que tenían en el mercado, por medio de tácticas agresivas de venta orientadas a convencer a los clientes de comprar, sea como fuere. Belfort y sus empleados, aparte de vivir como reyes, gastaban gran parte de su fortuna en prostitutas, drogas y fiestas descontroladas. Pero cuando el FBI les sigue la pista, las cosas se complican para todos los involucrados en Stratton Oakmont.

Controvertida película biográfica en donde Scorsese revisita algunos de sus temas habituales, exagerándolos hasta el extremo de la caricatura. El título tiene connotaciones casi metafóricas, porque a lo largo del film se exponen algunas de las conductas más bajas, animalísticas y bestiales del ser humano, en un festín casi interminable de la degradación. Belfort, luego de ser apodado como “el Lobo”, se refiere a sus empleados como “sus asesinos” o “su jauría”. Son gente completamente deshumanizada por la codicia y el deseo de obtener cada vez más dinero.

El exceso es el corazón mismo del Lobo de Wall Street: dura 3 horas (pero su ritmo, casi videoclipero, hace que se pasen en un santiamén); tiene numerosos y prolongados travellings en donde se muestra el ajetreo, la fastuosidad y la decadencia del mundo de Belfort, siempre con él al frente de todo; una narración en off imparable, casi que intrusiva, en donde el protagonista nos “vende” a la fuerza su visión de mundo; unos personajes que hablan usando un lenguaje soez en extremo mientras van de orgía en orgía; teniendo sexo con prostitutas de gama alta, media y baja, usando drogas experimentales y/o vencidas, haciendo estragos dentro de las propias oficinas, mientras suenan de fondo canciones de rock para animar la fiesta.

dicaprio wall street

Liderando el desfile de la depravación está un histriónico Leonardo DiCaprio en el papel protagónico, en el que vocifera, gesticula, da discursos, y exagera su interpretación para efecto cómico.

Al hacer una lectura superficial de El Lobo de Wall Street, se puede llegar a la conclusión de que es una obra nauseabunda, que no hace sino glorificar la vida de un individuo despreciable. Esto ignora el hecho de que Belfort cuenta su historia desde su perspectiva, la de un hombre egocéntrico, codicioso, con delirios de grandeza, sin ninguna consideración por los demás (deliberadamente se omite cualquier alusión a las víctimas de los esquemas fraudulentos de Stratton Oakmond). A estos hombres millonarios se les ridiculiza mostrándolos como unos completos degenerados, sin ninguna virtud ni valor moral que los redima. A esto contribuye el humor pueril y grotesco (pero efectivo) que domina la película.

belfort dinero

“Verás, el dinero no sólo te compra una mejor vida, mejor comida, mejores carros, mejores mujeres. También te hace mejor persona. Puedes hacerle una donación generosa a la iglesia o partido político de tu preferencia. Puedes salvar al puto búho moteado con dinero.”

El Lobo de Wall Street es una crítica bastante irónica (pero nada sutil) al sistema capitalista, en donde el dinero no sólo es la droga más adictiva de todas, sino que se hace indispensable para la subsistencia. No sólo Belfort es adicto. Todos los que invierten en Wall Street lo son, porque esperan ver multiplicadas sus ganancias en proporciones irreales y conseguir más plata de la que ya tienen. Los corredores de bolsa saben que tal cosa es imposible, que toda esa fortuna de los inversores es algo que existe sólo en el papel, pero se aprovechan de esto para prometerle a sus clientes rentabilidades más altas y ganarse jugosas comisiones. Su negocio es motivar a la gente, echándoles el cuento de la “independencia financiera” y de que es posible tan ricos como ellos, si hacen lo que ellos dicen. Engañan para quitarle a los demás lo que tienen, y conseguir un beneficio propio. Porque así funciona el sistema. Nadie se hace rico trabajando honestamente. Hay que hacer trampa para poder ganar más, sin parar, hasta tener tanto dinero que no se sabe qué hacer con él.

lobo despedida soltero

Y en últimas, los personajes viven persiguiendo sus sueños de ambición para no hacer otra cosa que convertirse en bestias que tragan, follan, y se intoxican todo el tiempo, sin parar, sin tomar un descanso, haciendo del exceso lo habitual, volviéndolo una rutina, casi que irrisoria.

La película resulta incomprendida, porque su mayor atractivo es, a su vez, su gran defecto, dependiendo de la perspectiva que tenga quien la vea (claro que lo mismo se podría decir de todas las películas, pero en fin). Busca generar una sensación de hastío en la audiencia. No toma un punto de vista moral con respecto a lo que presenta (prefiere darle herramientas al espectador para que lo haga), eligiendo simplemente dotar a las situaciones de una comedia tan cruda y repugnante como hilarante e histérica. El hecho de que exista gente que idolice a Belfort, quiera vivir como él, y esté de acuerdo con su visión de mundo simplemente es otro reflejo de lo enfermos que estamos como sociedad, a nivel global. Porque él es nada más ni nada menos que el criminal más perverso, rico y poderoso que ha mostrado Scorsese en alguna de sus películas. No necesita recurrir a la violencia física, su única arma es su lengua. Y con ella roba más que ninguno.

Twin Peaks: Fire Walk With Me

Twin Peaks: El fuego camina conmigo (1992)

Precuela de la serie de televisión de 1990, en donde se muestran los últimos días de Laura Palmer, y los acontecimientos que dieron lugar a la serie.

El segundo fracaso más grande de Lynch (después de Dune) es una cosa sin pies ni cabeza que nunca debió haber sido una película. No es posible juzgarla por sus propios méritos. Apenas un mes después de que se cancelara la serie, Lynch decidió que quería volver a retomar el material, pero esta vez en la gran pantalla, tal vez para escapar de las restricciones que le habían impuesto los ejecutivos del canal ABC. El resultado es su obra más autocomplaciente e indulgente. Es casi incomprensible para quien no haya visto la serie (peor aún, les spoilea la identidad del asesino de Laura Palmer), pero al mismo tiempo, no ofrece un final a la historia, que quedó inconclusa. El co-creador de la serie, y responsable principal de la trama, Mark Frost, consideraba que no era lo correcto hacer una precuela, y no participó en la producción. Como resultado, el guión de Lynch y Engels (otro de los guionistas de la serie) adolece de una falta de dirección absoluta. Sabe a donde va, pero en el camino se pierde muchas veces.

carl rodd

“Maldita sea, esta gente confunde.”

La falta de cohesión convierte a FWWM en un conjunto de escenas que están más conectadas con la serie que entre sí. Parecen como varios cortometrajes relacionados con Twin Peaks, pegados entre sí con un delgado hilo conductor. Como resultado, nos quedamos con un par de escenas que destacan bien sea porque son aterradoras, porque son desgarradoramente tristes o porque son misteriosas. Estas escenas están intercaladas con muchas otras que no tienen razón de ser (como esa primera media hora de una investigación que no lleva a ninguna parte, con un obvio sustituto del famoso agente Cooper que no convence, y en donde lo único a destacar es el personaje de Harry Dean Stanton), y otras que simplemente son de mal gusto, por su contenido violento o sexual explícito.

black lodge fire walk with me

El triunfo más notorio de la película es el de las secuencias del Black Lodge, donde Lynch hace un uso inventivo del color, la luz (un frío relámpago azul que indica la presencia del mal), y el sonido (tanto con la música, como con los sonidos estáticos y ruidos extraños que tienen un efecto perturbador).

Otro de los motivos que llevaron a Lynch a hacer este ejercicio audiovisual fuera de base fue el de humanizar a Laura Palmer, quien durante toda la serie simplemente fue un objeto que hacía avanzar la trama. Parcialmente lo logra, gracias a Sheryl Lee, quien hace un trabajo magnífico en el papel protagónico, presentándonos a una chica completamente destruida por dentro a causa del maltrato que ha sufrido. La actriz logra canalizar de manera efectiva todo el desespero, la confusión, y la vergüenza que sufre una víctima de abuso sexual. Gran parte del horror de la película proviene de que nadie parece sospechar nada al respecto. Ni siquiera James y Donna, los únicos que tratan de ayudarla, saben qué hacer, porque ella no se atreve a contarles la horrible verdad.

Sólo digo que “parcialmente” porque en últimas, no se ahonda mucho en el personaje de Laura, y la dualidad de su personalidad, que se había insinuado tan reiteradamente en la serie, sólo aparece de manera superficial. Aquí sólo se muestra el lado más oscuro de la señorita Palmer, sus debilidades, sus vicios, y su autodestrucción. Sí, Laura era drogadicta, prostituta y manipuladora, pero si mal no recuerdo, también le llevaba comida a los ancianos, le enseñaba inglés a una inmigrante china, y le daba clases particulares a un chico con discapacidad mental. Las buenas obras de Laura no se asoman ni por las curvas de FWWM. Lynch está más preocupado por mostrarla esnifando cocaína, y seduciendo a muchos tipos mientras anda por ahí semidesnuda. Se supone que llevaba una doble vida, no que era simplemente una descarriada.

Y ese es el gran problema de esta obra. Amplifica ese lado sórdido del pueblo de Twin Peaks, hasta el punto de lo grotesco. Es profundamente mórbida y oscura, hasta el punto de que es difícil de soportar. Su ritmo desbalanceado tampoco ayuda. Su incoherencia, menos. Como será que hasta ahora, 25 años después, varios de los enigmas que se plantean están cobrando algo si no de sentido, al menos de contexto, porque Frost y Lynch los han incorporado dentro de la trama de la tercera temporada de la serie. Pero una película debe funcionar por sí misma, no dependiendo de un “universo fílmico” (como los que crean los grandes estudios con los personajes de Marvel y DC). Entre otras cosas, si la tercera temporada nunca hubiera visto la luz del día, ¿qué hubiera sido de FWWM?

Pues un experimento fallido, que tiene un par de cosas rescatables (principalmente en cuanto al apartado actoral, a la espectacular música de Angelo Badalamenti, y a los aspectos visuales) pero que por lo demás no deja sino un sinsabor desagradable. Esta historia nunca debió haber sido llevada al cine, se siente apurada, como hecha a la fuerza, por puro capricho de Lynch, teniendo en cuenta la ya mencionada situación con Frost y con Kyle MacLachlan, el actor que encarnaba al genial Cooper de la serie, que ni siquiera quería participar. Aunque terminó haciéndolo, su contribución fue mínima.

FWWM es de interés únicamente para los que deseen ahondar en el “universo cinematográfico” de Twin Peaks y su mitología, que ahora abarca hasta novelas y toda la cosa. Ni siquiera es recomendable para los fans únicamente de la serie original como tal, porque no dice nada que ellos supieran ya, o nada nuevo que quisieran saber (a menos que les guste y/o quieran ver la tercera temporada). Como dato final, en el 2014 salió un compilado de escenas borradas de esta película fue lanzado bajo el nombre de “Twin Peaks: Las piezas faltantes”. Curiosamente, muestran a los otros personajes de la serie, dejando ver el lado más humano y entrañable del pueblo, que tanta falta hizo en el producto del 92. Resultaría curioso ver qué saldría de reeditar estas dos “películas” en una sola.

 

Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans

Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans (2009)

Terence McDonagh es un policía que sufre dolores de espalda de manera permanente, adquiridos al rescatar a un prisionero durante el huracán Katrina. Para lidiar con su malestar, se vuelve adicto a los medicamentos, al sexo, y a las apuestas. Cuando una familia de inmigrantes africanos es asesinada, McDonagh queda al frente del caso, que involucra a un traficante de drogas conocido como Big Fate. Ante los tropiezos que se presentan en la investigación, el teniente empieza a adoptar métodos poco ortodoxos.

La versatilidad de Herzog se pone de manifiesto en esta enloquecida película policíaca, en donde realiza un estudio de uno de sus típicos personajes: un hombre que llega a extremos insospechados para conseguir su objetivo, teniendo a todo el mundo en contra suya. A su vez, TBL:PoCNO es una especie de sátira estrafalaria de las convenciones de las típicas películas de policías rudos que no siguen las reglas pero terminan atrapando al malo de todos modos. Nicolas Cage le da vida a este teniente corrupto, en la que constituye una de sus actuaciones más destacables. McDonagh es un tipo amoral y despreciable, de temperamento violento, al borde de la locura por su adicción a las drogas, y sin ninguna consideración por los demás. El histrionismo de Cage lo hace genuinamente malvado, pero también chistoso a más no poder.

cage bad lieutenant

“Todo lo que tomo es recetado. Menos la heroína.”

La acción se desarrolla en un mundo definido por la corrupción y el absurdo, donde las catástrofes son el pan de cada día. Las escenas exteriores casi siempre ocurren en barrios marginales, que han sufrido el paso del huracán. Las tomas de las iguanas y los caimanes en primer plano se diferencian mucho del resto de la película, siendo filmadas con una temblorosa cámara en mano que sigue persistentemente el rostro de los reptiles. Los animales corren rampantes a lo largo de TBL:PoCNO, ¿tal vez son un símbolo del caos? ¿O del trastorno del protagonista? Su inclusión resulta enigmática, y se destacan sobre las otras, porque hacen que la película resulte más demente, si bien, por la mayor parte, es bastante lineal, y la trama está bien construida. Las disrupciones provienen por parte del humor negro que hace parte de todas las situaciones (y que principalmente se deriva del comportamiento de sus antisociales personajes).

nicolas cage iguana

♫ Release me
If you don’t need me, if you don’t want me
Oh, baby, why don’t you just let me love again? ♫

La gran ironía de la película es que McDonagh se toma en serio su trabajo, y de veras le importa capturar a los narcotraficantes y llevarlos ante la justicia, siendo él mismo un criminal en toda regla. Aún más alarmante es el hecho de que absolutamente nadie coopera con la justicia, ni los testigos siquiera, y de que la gente con buenos abogados o contactos en la política pueda simplemente ignorar la ley. Ante una situación como la que enfrenta el teniente, no le queda otra opción que combatir fuego con fuego. Casi que el espectador se ve obligado a simpatizar con él, aún viendo todos los abusos que comete, desde amenazar a un par de abuelitas, hasta chantajear a un jugador de fútbol para obligarlo a que logre el resultado que lo favorezca en las apuestas.

Claro que el carisma de Cage ayuda, y verlo haciendo el mal casi que con júbilo es divertidísimo. Casi tan divertido como el saber que todo le sale bien, sin importar lo que haga. Él es el “bueno” de la película, después de todo, y por regla el bueno tiene que ganar como sea. Esto hace de TBL:PoCNO una cuasiparodia desenfrenada, que poco tiene que ver con Bad Lieutenant de Abel Ferrara.