Impresiones sobre Twin Peaks: El regreso (partes 1 a 6)

Twin Peaks (2017)

Han pasado aproximadamente 25 años desde que el agente del FBI Dale Cooper desapareció en Twin Peaks. Su alma está atrapada en el Black Lodge, mientras su doppelgänger, que ha tomado posesión de su cuerpo, comete asesinatos en el mundo físico. Por otra parte, un hombre llamado Dougie Jones, con una apariencia física similar a la de Cooper, vive en Las Vegas. Al alma de Cooper se le concede permiso de salir, lo que iniciará su odisea por volver a su cuerpo. Logra salir del Black Lodge, gracias a la intercesión de extraños seres, y vuelve al mundo material, amnésico y casi catatónico. En este momento, Dougie Jones desaparece, porque “ha cumplido su propósito”. El alma de Cooper toma su lugar, y nadie parece notar la diferencia. Cooper, casi incapaz de hablar o de realizar cualquier acción por su cuenta, trata lentamente de recordar su vida. MUY lentamente.

El agente Hawk recibe una llamada de la Mujer del Leño, quien le dice que “algo hace falta”, con respecto a la desaparición de Cooper. Junto con Andy, Lucy, el sheriff Frank Truman (hermano del sheriff Harry Truman) y el ahora agente Bobby Briggs, deciden reabrir el caso, para tratar de encontrar al desaparecido agente.

Un mórbido hallazgo toma lugar en el pueblo de Buckhorn, en Dakota del Sur: la cabeza decapitada de Ruth Davenport es encontrada junto al cuerpo (igualmente decapitado) de un hombre desconocido. Las huellas de un director de escuela, que soñó con ser quien asesinaba a la mujer, se encontraron por toda la escena del crimen. Mientras tanto, en la ciudad de Nueva York, una misteriosa caja de cristal contiene un secreto siniestro, que cobra las vidas de una pareja joven. No hay rastro del culpable.

gordon cole what the hell

“WHAT THE HELL?!”

La primera impresión que provoca esta nueva serie es desconcierto. Muchos esperábamos Twin Peaks, y lo que estamos obteniendo a cambio en realidad es la película más ambiciosa de David Lynch. En 18 partes. Para televisión (Lynch ha manifestado su preferencia por este formato durante los últimos años, atreviéndose incluso a decir que “la TV es el nuevo cine arte”). Es una reinvención drástica de aquella serie de principios de los 90, a pesar de que conserva la historia y los personajes. De esto se pueden decir tantas cosas a favor como en contra.

Volver al pueblo de Twin Peaks únicamente para revivir viejas glorias, haciendo algo exactamente igual a lo que se hizo en aquellos tiempos, la condenaría a la irrelevancia (aunque a los fans tal vez nos hubiera gustado igual). Así que tiene todo el sentido del mundo el hecho de que Lynch y Frost se hayan atrevido a hacer algo diferente. Esta nueva serie es más críptica, más confusa, más escalofriante, y más explícita.

twin peaks glass box

Lynch aprovecha el hecho de que la televisión por suscripción es más laxa en cuanto a violencia y desnudez se refiere. Tal vez, dentro de su filmografía, sólo Eraserhead o ciertas secciones de Inland Empire son igual de perturbadoras.

Afortunadamente, el humor excéntrico aún está allí, para balancear los momentos más escabrosos, o hacer de ellos algo gracioso (ejemplo: vemos un enano matando gente con un picahielo mientras suena una canción de rap en el fondo). Lentamente nos van poniendo al día con aquellos viejos personajes, que resultan más entrañables todavía ahora que los vemos en su madurez, canosos y con arrugas. La serie original estaba invadida de melancolía por los seres queridos que se han ido. Aquí se percibe, aunque sólo por momentos, una sensación similar, pero más vinculada al paso del tiempo y la vejez. La actuación del reparto original tiene un dejo de añoranza, en donde resaltan las escenas que transcurren en el Departamento del Sheriff con Hawk, Andy, Lucy y hasta Bobby Briggs.

Merece una distinción por aparte el trabajo de Kyle MacLachlan, quien interpreta a las diferentes personas en las que se ha desdibujado el agente Dale Cooper. El lado analítico, racional e ingenioso del personaje ahora le pertenece al doppelgänger, quien aprovecha esas cualidades para asesinar con una frialdad y una eficiencia absolutas. El lado intuitivo, entusiasta y dulce del personaje ahora le pertenece a Dougie Jones, quien trata de recordar exactamente cómo funcionar en el mundo, con torpeza, incomprendido por quienes lo rodean, pero siempre paciente, haciendo las cosas a su manera, ignorando las opiniones de los demás. El contraste entre lo escalofriante del primero y lo ingenuo del segundo es muy bien logrado.

dougie jones coffee

Con todo, es bueno ver que algunas cosas sobre Cooper no cambian.

La disponibilidad de mayor presupuesto ha permitido ampliar el alcance geográfico de la serie, que se ha movido del entorno semirural de Twin Peaks hacia Las Vegas, Nueva York, y otras ciudades. Ver la modernización del mundo causa cierto impacto, ya que ver la acción confinada a aquel poblado del condado de Washington le daba a la serie original un aire atemporal, casi que espiritual o mágico, lejos de la contaminación del mundo contemporáneo. Pero ahora hasta en el bar del pueblo tocan varios grupos de música indie, que parecen sacados de reseñas de Pitchfork.

Hablando de música, las evocadoras tonadas de Angelo Badalamenti brillan por su ausencia (si bien el compositor realizó de nuevo la música para esta serie). Ocasionalmente aparece un número de jazz, pero, por la mayor parte, la música consiste en ambiente (que incluye en ocasiones extraños sonidos industriales), que sirve para realzar la atmósfera trastornada. Es muy sutil, en contraste con la serie original, donde el tema de Laura Palmer sonaba una y otra vez, continuamente.

cooper eyeless woman

La crudeza de los efectos especiales se ve compensada por la forma creativa en la que son utilizados. Las imágenes que construyen son bastante inventivas, y en general la nueva serie brilla en cuanto a aspectos visuales.

Se echa de menos el diálogo de la serie original, que era mucho más estructurado e ingenioso, ya que aquí se recurre al típico diálogo Lynchiano, críptico, parco, obtuso e innatural (aunque, paradójicamente, con más palabrotas), que funciona a ratos. La tendencia que tenía la serie de extender las líneas argumentales hasta el límite, se ha llevado aquí hasta extremos insospechados. Y, como mencioné anteriormente, aquí no tenemos la cálida atmósfera del pueblo de Twin Peaks para distraernos de ese hecho y olvidarnos de ello. En lugar de eso, vamos de ciudad en ciudad, de escena inconexa en escena inconexa, estilo Mulholland Drive. El interés se mantiene, y los episodios enganchan, pero eventualmente la impaciencia se empieza a sentir (¿o tal vez eso era lo que el director planeaba?). En 6 episodios, la trama apenas si ha avanzado, porque ha pasado tanto, que en realidad no ha pasado nada.

Da la impresión que a Mark Frost lo hubieran relegado sólo a desdibujar los aspectos de la mitología del universo, a pesar de que, según los créditos, coescribió el guión. Con todo y lo que aprecio a Lynch y su obra, siento que a veces se le da demasiado crédito en cuanto a Twin Peaks se refiere, algunos de los mejores episodios fueron escritos por Frost, e incluso Harley Peyton y Robert Engels. La visión de Lynch prima por sobre lo que era originalmente la serie, y, en consecuencia, desaparece el melodrama, junto con esa atmósfera acogedora de pueblito pequeño, ingredientes que eran gran parte de su atractivo. De no ser por la comedia absurdista y los momentos de nostalgia, esta nueva serie caería en el mismo error que la película de Fire Walk With Me: la caída hacia la oscuridad total, sin una luz que balancee las cosas.

Con todos sus aciertos y errores, el regreso de Twin Peaks ha sido, en términos generales, satisfactorio (hasta el momento), debido a su atrevimiento, creatividad y simplemente al hecho de que, aún en esta “era dorada de la televisión”, es raro ver un producto tan intransigente, que no obedece a compromisos de ejecutivos, ni de audiencias, ni de canales, ni a mantener reputaciones pasadas, siguiendo únicamente su propio camino, haciendo algo fresco, nuevo, que verdaderamente se podría considerar a medio camino entre la televisión y el cine “de arte”.

 

 

Operazione paura

Operazione paura (1966)

Una mujer muere de manera misteriosa en una remota aldea. El doctor Eswai es llamado por el comisario del pueblo, para realizar la autopsia. Sin embargo, los pobladores actúan de manera sospechosa. No permiten que el doctor se acerque al cuerpo, ya que podría desatar la maldición que pesa sobre todos ellos. Eswai realiza la autopsia de todas formas, y se ve implicado en una serie de extrañas muertes que aterrorizan al pueblo. Las muertes están relacionadas con la vieja casona de la familia Graps, por lo que el doctor decide investigar.

Habiendo filmado importantísimas películas del cine del género gótico tales como La máscara del demonio o Las tres caras del miedo, Bava presenta una de sus obras más pulidas, donde hace gala de su estilo ya consolidado. Los terrosos tonos de los colores, las majestuosamente vetustas locaciones exteriores, la exuberante decoración (incluyendo las típicas telarañas, lápidas, crucifijos y amuletos) y las densas sombras le dan a la película ese aire antiguo, añejo, empolvado, que junto con los creativos movimientos de cámara y la música (trillada pero efectiva) establecen el ambiente oscuro y fantasmal.

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Para inducir un efecto pesadillesco más intenso en el espectador, la película entra en el reino de lo onírico, a través de un par de secuencias de sueños/alucinaciones, que crean una sensación de desorientación. Este es otro de sus grandes aspectos a destacar. A pesar de que la historia no es precisamente destacable, la atmósfera está tan bien construida, y la actuación es tan convincente (en su mayor parte) que esto se torna algo irrisorio. Bava relega la violencia a un segundo plano, implicándola en la mayoría de los casos en lugar de mostrarla, o mostrándola de manera muy breve, lo que tal vez la hace más efectiva, dentro del contexto elegantemente sombrío del film (donde posiblemente resultaría chocante un nivel de gore como el de, por ejemplo, Seis mujeres para el asesino).

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La manera en que opera el espíritu que ocasiona las muertes puede llegar a ser más perversa que la de un asesino propiamente dicho.

Poco más queda por decir de esta entretenida película, que no pierde su vigencia al intentar shockear a la audiencia con sustos baratos, sino transportarlos a aquel recóndito lugar donde reina la superstición y el oscurantismo, donde la razón pareciera no tener cabida, donde es impotente ante fuerzas más allá de su comprensión.

Les diaboliques

Las diabólicas (1955)

La frágil, temerosa y profundamente religiosa Cristina Delasalle es la dueña de un internado a las afueras de París. Sin embargo, su marido, Michel, es quien está a cargo. No solo trata mal a los niños y les da comida en mal estado, sino que abiertamente tiene una relación con otra mujer, Nicole, quien convence a Cristina de que juntas asesinen a Michel. Cristina vacila, pero al final accede. Cuando el trabajo está hecho, hunden el cadáver de Michel en las aguas de la piscina del colegio. Pero cuando el cuerpo desaparece, cosas extrañas empiezan a suceder.

Un mórbido pero entretenido thriller, que tiene éxito gracias a diversos factores. Primero, su capacidad de engañar al espectador, insinuando detalles de los acontecimientos que pasan en vez de mostrarlos por completo, haciéndole creer cosas que pueden o no ser reales. Segundo, la caracterización de los personajes, y su materialización a través del enorme trabajo actoral de Simone Signoret y Véra Clouzot. La primera es una maestra del engaño, fría, amoral, y despiadada. La segunda es nerviosa, manipulable, ingenua, y supersticiosa. El resto de personajes tampoco son modelos a seguir, y en general, Clouzot presenta una visión cínica y misantrópica del ser humano. El uso del sonido (o del silencio, más bien) es otro factor clave a la hora de construir la tensión.

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A medida que empiezan a ocurrir sucesos que apuntan a la presencia de algo sobrenatural, la relación entre las dos protagonistas se hace más turbulenta, lo que contribuye a crear esa sensación angustiosa.

A pesar de que la película está construida de tal manera que no resulta predecible, una parte considerable de su efecto descansa en el sorpresivo giro argumental (al punto de que el director puso un aviso anti-spoilers al final). Esto le quita algo de fuerza al volverla a ver, sin embargo, le permite al espectador notar con más claridad todos los motivos e implicaciones puestas a lo largo del film. Por lo demás, la perversa historia no pierde vigencia, mostrando la habilidad del ser humano de manipular y explotar a una mente vulnerable, y por qué no, la capacidad para hacer el mal que tiene una persona que ha sufrido maltratos y abusos.

Las diabólicas tiene el poder de hacer que el corazón de las audiencias palpite tan rápido como el de Cristina, manteniéndolas pegadas a la pantalla con su sorpresiva y turbia trama, e inquietante atmósfera.

Nosferatu: Phantom der Nacht

Nosferatu, fantasma de la noche (1979)

Jonathan Harker es un agente de bienes raíces que vive en Wismar, Alemania. Su jefe, Renfield, lo envía a Transilvania, donde reside un noble conocido como el conde Drácula, quien desea comprar una casa en Wismar. Los gitanos que viven cerca al castillo advierten a Harker de los peligros letales de aquel lugar, diciéndole que el conde es en realidad un vampiro. Harker desoye sus advertencias y llega al castillo, donde Drácula, al observar un retrato de Lucy, la esposa de Jonathan, se apresura en comprar una vieja y ruinosa abadía en Wismar. El vampiro deja atrapado a Harker en el castillo, y llega a Wismar en un barco infestado de ratas, trayendo la peste a la ciudad.

Herzog consideraba que Nosferatu, de F.W. Murnau, era la mejor película que había salido de Alemania, y quiso hacer su propia versión, manteniendo varios elementos de la original, pero añadiendo otros, propiamente suyos. Éste remake es una versión “romantizada” del clásico expresionista, muy en línea con dos películas realizadas anteriormente por el autor: Corazón de cristal y El enigma de Kaspar Hauser. La atmósfera pútrida de la película de Murnau es reemplazada por un aura lánguida, agonizante, y si bien sigue siendo siniestra, aquí está llena de una belleza etérea.

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En la versión original, las sombras parecían tener vida propia, y los paisajes naturales encerraban misterio y temor. Aquí, se retoman estos elementos, pero imbuyendo a los planos de una “cualidad pictórica” mucho más pronunciada, que hace que ésta versión posea una estética mucho más “pulida”, por llamarla de alguna manera.

El conde Orlok de Max Schreck era, simple y llanamente, la encarnación del mal. Herzog también retoma el elemento de la peste y lo lleva hasta su extremo lógico (con hechos que van desde la inclusión de muchas más ratas en el film hasta el descenso a la locura de los habitantes del pueblo infestado) pero hace del personaje de Drácula (que aquí lleva su nombre original) algo más complejo. Aquí, ya contando con la palabra, se le dota al personaje de emociones y sentimientos, incorporando elementos no propios de Murnau, sino de la novela de Bram Stoker. El conde es un individuo melancólico, cansado del mundo, torturado por el hecho de no poder morir, y por la soledad.

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“La muerte es cruel para quien no la espera. Pero eso no es lo que yo considero cruel. Cruel es no poder morir, incluso si lo deseas.”

Podría parecer que me he explayado en comparaciones con el film de 1922, pero resulta imposible no referirse a él cuando ésta película le toma prestados planos y secuencias enteras, para rendirle un homenaje a Murnau. Aún así, el talante de las dos películas es distinto. Igualmente lo es el ritmo. Murnau va directo al grano, sin rodeos, es conciso. Herzog permite que la acción avance a una velocidad mucho más pausada, para sumergir al espectador en su atmósfera elegíaca, y expandir los temas de la narrativa, retomando al referente literario del cual todo surgió (y que posiblemente los realizadores de Eine Symphonie des Grauens omitieron por causa de los consabidos problemas de derechos de autor que tuvieron que enfrentar) y añadiendo el tema del absurdo, del sinsentido, de la anulación del propósito de la existencia, que desemboca en el goce, ante la proximidad de una muerte inminente.

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“¿Y si en realidad todos nos volvimos locos, y una mañana despertaremos, para encontrarnos metidos en camisas de fuerza?”

Es aquí donde Phantom der Nacht se “independiza” de la versión original, convirtiéndose en una obra maestra de carácter propio, y una de las mejores películas de horror gótico jamás hechas, ejemplificando a la perfección el carácter a la vez barbárico y sofisticado del género. Perturba y maravilla al mismo tiempo a quien la ve.

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens

Nosferatu (1922)

El joven Hutter vive con su esposa Ellen en la ciudad de Wisborg. Él trabaja como vendedor de bienes raíces. Cuando su empleador, el excéntrico Knock, lo envía a Transilvania para que contacte a un potencial cliente interesado en comprar una casa en la ciudad, el conde Orlok, Ellen tiene un mal presagio. Hutter visita el castillo de Orlok, en donde extrañas cosas comienzan a suceder. El conde es una criatura con poderes sobrenaturales, que viaja a Wisborg para infestarla con una peste mortífera.

Nosferatu es un artefacto maldito, un viejo grimorio de magia negra desenterrado de una tumba abandonada por siglos. Toma la historia de Drácula y la hace más retorcida introduciendo el concepto del vampiro como plaga. El Orlok de Max Schreck dista de ser el rimbombante y sofisticado Conde, asemejándose a un roedor de mirada fija y protuberantes colmillos frontales, reafirmando la metáfora del vampiro como plaga. Su andar tieso, apariencia extremadamente delgada y la lentitud de sus movimientos lentos le confieren el aspecto de un cadáver que apenas tiene la energía suficiente como para ejecutar estas mínimas acciones.

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Este hecho contrasta con las escenas en donde vemos a Nosferatu desplazándose de un lado a otro con una velocidad sobrehumana, lo cual crea un efecto más escalofriante.

La película evita los cuidados ambientes góticos, optando por mostrar parajes rústicos, ruinosos y decaídos, junto con planos de la naturaleza salvaje que circunda al castillo, para crear un ambiente hostil, cavernoso. Murnau prefiere comunicar la historia a través de las imágenes, de manera directa, sucinta, casi escueta (como por ejemplo, el hecho de mostrar a Hutter riendo burlonamente mientras arroja a lo lejos su libro sobre vampiros), mientras preserva la naturaleza epistolar de la novela (aunque las cartas parecen ser escritas por un narrador que no interviene en la historia).

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Tal vez uno de los planos (a mi concepto) más impactantes es la procesión nocturna de los habitantes del pueblo, llevando a la sepultura a los fallecidos por la plaga del vampiro.

El productor y director de arte de la película, Albin Grau, era un reconocido miembro de una orden esotérica, y fundó la compañía de producción Prana Film con el objetivo de crear películas dedicadas a lo sobrenatural (siendo el film de Murnau el único que llegó a realizarse). Por ello, no sorprende que Nosferatu resulte tan solemne, y que trate a su temática con toda la sobriedad del caso, asegurándose de crear una atmósfera de muerte y putrefacción, con alusiones tanto al ocultismo, como al carácter letal de algunas especies de la naturaleza. Resulta mucho más fatalista y catastrófica que la novela. Puede que algunos consideren su seriedad impostada algo ingenua para nuestros tiempos, pero ésta es un elemento clave a la hora de crear la pestilente aura fúnebre que permea la película. Un clásico del que poco más hay que decir.

Kwaidan

Kwaidan (1964)

Una antología, compuesta de cuatro historias de fantasmas: El cabello negro, La mujer de la nieve, Hoichi el desorejado, y En una taza de té. Están adaptadas de la obra Kwaidan, de Lafcadio Hearn.

A pesar de que las cuatro historias son inconexas (si no se tiene en cuenta el hecho de que todas tienen como elemento común el encuentro entre mortales y seres del más allá) comparten varios rasgos estilísticos, como el cuidado diseño de escenarios, los espectaculares fondos hechos a partir de pinturas en matte, el elaborado trabajo en los maquillajes, los clásicos efectos especiales como transparencias y superposiciones, y los colores vibrantes. El ritmo es pausado, pero adecuado en la mayoría de las ocasiones. La música de Toru Takemitsu tiene una cualidad ritualística y mística, que se ajusta perfecto a la atmósfera de la película. Las actuaciones en general son sólidas.

El cabello negro

Un samurai sumido en la pobreza decide dejar a su mujer, una humilde tejedora, para entrar al servicio de un poderoso señor de otras tierras, y casarse con otra mujer, esta vez de la realeza. Su matrimonio es infeliz, ya que él no ama a su nueva esposa, que es superficial y egoísta. Añora volver con su vieja esposa, por lo que la busca, en la vieja casa en donde vivieron juntos. Allá lo encontrará una sorpresa que nunca hubiera deseado recibir.

el cabello negro

La película abre con pie fuerte, con la que es la más macabra de las cuatro historias. Está muy bien lograda la transición del romance al horror. La casa ruinosa, sumida en la penumbra, las angulaciones inclinadas, los efectos de sonido y la música crean un ambiente en donde se siente la podredumbre y la pesadez de la muerte.

La mujer de la nieve

Un leñador llamado Minokichi se queda atrapado en medio de una tormenta de nieve junto con su mentor, Mosaku. Entran a una cabaña desierta. Allí, se les aparece una mujer fantasmal, quién mata al viejo Mosaku, pero le perdona la vida al joven Minokichi, con la condición de que no le cuente a nadie lo que ocurrió. Los años pasan y Minokichi se casa con una mujer llamadaa Yuki. Todo parece normal, hasta que los aldeanos notan que, a pesar de los años, y de haber tenido tres hijos, Yuki parece no envejecer.

mujer nieve

En contraste con el segmento anterior, La mujer de nieve parece más un cuento de hadas macabro, lleno de exuberantes coloridos. El contraste entre los colores que predominan en determinadas escenas es maravilloso. El azul y el blanco adquieren una connotación mortífera, helada, en comparación al resto, que emanan calidez, comodidad y paz.

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La puesta en escena es deliberadamente irrealista y artificiosa, con el propósito de crear una sensación de ensoñación. Éste bien podría ser el mejor cuento de los cuatro.

Hoichi el desorejado

Hace muchos años, tuvo lugar una gran batalla en el mar, que acabó con el clan de Heike. Cerca de las tumbas de los miembros del clan, se construyó un templo, en el que extrañas cosas pasan. Hoichi, un músico ciego, tiene un talento excepcional para recitar esta historia, acompañado de las notas de su biwa. Una noche, un guerrero lo invita a cantar para una importante familia real, por lo que Hoichi accede. Se escapa todas las noches del monasterio en donde vive, para cantar La historia de los Heike a la corte. Por las mañanas vuelve cada vez más pálido y demacrado, y duerme todo el día. En el templo temen que esté siendo poseído por espíritus iracundos.

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El cuento más largo de todos tiene un trasfondo épico. Conserva el colorido del segmento anterior, pero bajado ligeramente de tono. Las escenas de batalla son portentosas, la música y lírica del poema de los Heike, y la inclusión de ilustraciones japonesas antiguas acentúa el carácter legendario de la historia. La historia tiene un tono algo más ligero que las dos anteriores (en parte debido a la inclusión de los personajes sirvientes, y al final “feliz”), pero al mismo tiempo contiene uno de los momentos más escabrosos y sangrientos.

A pesar de su majestuosidad, este segmento se siente demasiado largo, en especial durante la mitad. Al volverse redundante, pierde un poco de fuerza. El ritmo llega a flaquear. Por fortuna, los eventos que dan pie a la conclusión del cuento remedian esta situación.

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En una taza de té

Al acabar la historia de Hoichi el desorejado, la película cambia de época al año 1900, en una especie de preludio al último cuento, donde se menciona que éste quedó inconcluso. El último cuento habla de un hombre que ve un fantasma en una taza de té. Cuando el fantasma se le aparece, intenta luchar con él. Es el más “flojo” de los cuatro (además que luego de dos horas y media de metraje, el cansancio se empieza a sentir), por fortuna su brevedad, sus entretenidas peleas de artes marciales y su naturaleza de “cuento dentro de un cuento” evitan que se torne aburridor. El epílogo, en pleno siglo XX, es insuperable.

kwaidan epilogo

Esto es, a grandes rasgos, esta genial antología de historias de fantasmas. Narra varias historias del folclor de Japón de manera visualmente deslumbrante, suntuosa y elegante, y si bien tiene sus pequeños defectos (más que todo en cuanto a la duración), merece ser incluida dentro de las grandes obras de su autor.

 

À Meia-Noite Levarei Sua Alma

A medianoche me llevaré tu alma (1964)

La fe religiosa y la superstición forman parte integral de la vida de un pequeño pueblo brasileño. El sepulturero, Zé do Caixão, atemoriza a la población, al ser un hombre amoral, capaz de cometer actos de maldad por puro placer, y blasfemar contra Dios y el diablo constantemente. Para él, el propósito de la vida es perpetuarse a sí misma, en la forma de un linaje, de una descendencia. Por eso, su obsesión es tener un hijo. Su mujer, Lenita, es estéril, por lo que Zé do Caixão buscará deshacerse de ella y quedarse con Terezinha, la esposa de su amigo Antônio.

Divertidísima (aunque, originalmente, lo más seguro es que no haya sido concebida ni percibida de esta manera) película de terror, hecha con el más mínimo presupuesto. La dirección por parte de un Mojica autodidacta es competente, y comedida. La falta de medios llevó a los realizadores a usar recursos tan creativos como ingenuos en cuanto al diseño de sets, utilería (nótense las calaveras y cruces de papel maché) maquillaje (no más la pinta del protagonista) y efectos especiales (como el infame caso de aquel fantasma con un aura de escarcha alrededor suyo, la cual fue aplicada directamente al negativo). Aún así, muchas de las escenas más violentas y explícitas se hacen creíbles gracias a su crudeza y a la austera fotografía en blanco y negro.

lenita tarantula

El usar tarántulas de verdad también ayuda. El cine de horror comercial de la época, no solía mostrar tal nivel de brutalidad (aunque para los estándares de nuestra época, las escenas más fuertes de la película ya son tenues).

Las interpretaciones de los actores (bastante amateurs) se ven eclipsados por el mismo Mojica Marins, quien interpreta a Zé do Caixão con una convicción que frecuentemente cruza el terreno del histrionismo. No por nada el personaje se convirtió en un auténtico ícono del cine brasileño (y del cine de horror “clase B” en general). Los diálogos y situaciones son exagerados, y están impregnados de una teatralidad que permea el carácter de la obra, la cual presenta su discurso de manera tan directa y pomposa, que es imposible de tomar en serio. El único personaje bien desarrollado es, naturalmente, Zé do Caixão. El resto existen casi que exclusivamente para que el protagonista les haga cosas terribles.

ze do caixao candelabro

“¡Cielo! ¡Infierno! ¡Reencarnación! ¡El poder de la fe! ¡Símbolo de la ignorancia! ¿Dónde estás, diablo? ¡MENTIRA!”

A medianoche me llevaré tu alma, y el personaje de Zé do Caixão, sólo pudieron haber surgido de un país latinoamericano, donde la institución de la iglesia católica tiene un poder considerable. Aparecen como una respuesta, como una reacción ante dicha tradición religiosa, destinada a atacarla directamente y de frente. El protagonista es casi que un übermensch Nietzcheano, que cree estar más allá del bien y del mal, al negar tajantemente la existencia de un ser supremo y despreciar la moral, por ser cosas de débiles. Mientras los ignorantes y asustadizos habitantes del pueblo rehúyen de todo aquello que pueda acarrearles el castigo del ser supremo, Zé do Caixão lo busca activamente, pone a prueba los límites de la crueldad para invocar a la justicia divina. Es por eso que es un villano tan único. Él es el alma de la película.

Escandalosa, chocante, y extremista, pero al mismo tiempo ingenua y absurda, la película tiene un encanto muy particular. Su aura oscura y mórbida está muy bien construida pese a sus limitaciones y su bobería, por lo que resulta entretenidísima. Cabe resaltar su osadía, al ser pionera del género del cine de horror en Brasil, y atreverse a despertar tal controversia durante los años 60.