Impresiones sobre Twin Peaks: El regreso (partes 7 a 12)

Twin Peaks (2017)

El Cooper malvado, quien fue arrestado, escapa de prisión chantajeando al guardián, al que manda asesinar poco tiempo después. Por otra parte, Dougie Jones, el “buen Cooper”, logra detener un intento de asesinato en su contra, descubre una conspiración criminal en su trabajo, reaviva su relación con su esposa Janey-E, y se gana el cariño de los hermanos Mitchum, unos mafiosos que también lo querían matar.

Dos equipos separados investigan el caso de Cooper. Uno de ellos es la fuerza especial Blue Rose del FBI, conformada por Gordon Cole, Albert, Tammy Preston y Diane, la antigua secretaria de Cooper (que parece estar en contacto con el Cooper malvado). El otro, está conformado por Hawk, el sheriff Truman y Bobby Briggs. Todas las pistas develadas por ambos equipos llevan a Twin Peaks. Los crímenes atroces de Richard Horne y otros sucesos extraños enturbian la atmósfera del pueblo.

La película más ambiciosa de David Lynch continúa estallando cerebros (a veces literalmente) y mostrando cosas nunca antes vistas en televisión. Adicionalmente, logró recapturar el espíritu de la serie original de manera más evidente que en los primeros 6 capítulos, donde apenas si se veía una pequeña semblanza del viejo Twin Peaks. “¿Cuándo volverá Cooper?” es el nuevo “¿Quién mató a Laura Palmer?”. Hay múltiples pistas, desperdigadas en pequeños fragmentos, que lentamente le han ido dando sentido a los hechos que están sucediendo en la “serie”. La contribución de Mark Frost se hace cada vez más visible. El guionista se inspira en una variedad de teorías conspiranoicas del mundo real para construir el universo de Twin Peaks, con todas sus complejidades, absurdos y explicaciones. Incluso el diálogo ha mejorado.

what happens in season 2

Detective Mackley: “William Hastings estaba teniendo una aventura con la bibliotecaria local, Ruth Davenport. La cabeza de Davenport fue hallada sobre el cuerpo decapitado del mayor Briggs. Una vez que pusimos a Hastings bajo custodia, su mujer fue asesinada en su casa, aparentemente por su abogado, un hombre llamado George Bouncer, que también está bajo custodia. Y al día siguiente, la secretaria de Hastings murió en la explosión de un coche.”
Albert Rosenfield: “¿Qué pasa en la segunda temporada?”

Los destinos actuales de los personajes de la serie del 90 muestran que la vida no siempre termina como uno la planea. En una serie llena de eventos paranormales, sangre y vísceras al tope, y conspiraciones absurdas, el tratamiento de los personajes es marcadamente realista. Algunos hacen cambios positivos en sus vidas, redimiéndose de sus culpas pasadas, y otros terminan descompuestos, atrapados, e incapaces de mejorar su situación. A los creadores no les importó si X o Y personaje era el preferido de los fans a la hora de decidir el curso que tomarían sus vidas después del 91, pero se tomaron el trabajo de examinar los carácteres de los personajes, en sus encarnaciones originales, y tomarlos como punto de partida para crear las situaciones en que se encuentran ahora.

bobby audrey

El futuro brillante de Bobby contrasta con la mala fortuna que le cayó encima no sólo a Audrey, sino prácticamente a toda la familia Horne.

El drama ha regresado (¡por fin!) pero la actuación es, en la mayoría de las ocasiones, más matizada y menos melodramática (con la notable excepción de la escena del interrogatorio, en donde un estupendo Matthew Lillard berrea y rompe en llanto de manera incontrolable). La comedia cada vez es más efectiva. Aquí destacan, por supuesto, las escenas con Dougie Jones y Janey-E (Naomi Watts es la mejor actriz del elenco, superando incluso a Laura Dern, lo cual ya es mucho decir), que frustran a la mayoría, pero que a mí me hacen reír cada vez más. También son notorias las escenas del FBI, con las ocurrencias de Gordon, el sarcasmo de Albert, las poses de Tammy, y la grosería de Diane. Estos cuatro podrían hacer divinamente una sitcom. Por cierto, ni ellos ni “Dougie” Cooper han perdido una pizca de su devoción por el café, las donuts y el pie de cereza.

gordon cole

Ese Lynch es todo un pícaro, no sólo le dio más preponderancia al personaje de Gordon Cole, sino que además lo pone en escena junto a mujeres bellísimas como Chrysta Bell y Bérénice Marlohe.

El ritmo de la película es un punto de contención. Se mueve de manera caprichosamente lento, buscando frustrar a la audiencia hasta que pierde la paciencia. Los planos permanecen por mucho tiempo más de lo debido, creando un efecto de desconcierto que, en el mejor de los casos, es cómico, y en el peor de los casos, se vuelve insoportable. Desafortunadamente para Lynch, esta estrategia sólo le funciona a medias. Es evidente la razón por la que la utiliza, pero eso no quiere decir que esté bien, o que aporte algo al conjunto. De hecho, Twin Peaks sufre, porque para mantener este ritmo lento, rellenan tiempo en pantalla con números musicales o escenas irrelevantes, que cansan. Lo más irritante del asunto es que esta pérdida de tiempo es intencional, porque ideas son lo que tienen Lynch y Frost, y de sobra.

twin peaks part 8

No más basta con ver la parte 8, que cuenta el origen del mal que ha acechado nuestro mundo durante toda la serie, a través de una explosión de efectos visuales en donde el director hace gala de sus dotes pictóricas que crea paisajes surrealistas tan aterradores como bellos. La música de Penderecki completa su atmósfera pesadillesca. El trabajo de fotografía y dirección de arte, en especial en aquella especie de sala de cine de los 40, es maravilloso.

En general, esta nueva encarnación de Twin Peaks ha tenido una serie de altibajos, con momentos de brillo, y momentos para el olvido. Esta historia claramente no ameritaba tener 18 partes. En los 9 episodios que les habían planteado inicialmente hubieran podido haber hecho un trabajo más conciso y con más poder (a veces menos es más). Mi crítica no está orientada a desear obtener una resolución pronto a todas las preguntas, porque la serie original nunca se trató de resolver los misterios, y en realidad encontrar al asesino ni siquiera importaba, porque las tramas secundarias de los personajes eran mucho más entretenidas y cálidas.

La investigación se está llevando a cabo al ritmo que debe ser, y no tengo afán en que vuelva el agente Cooper, porque me estoy divirtiendo a lo grande con Dougie, pero la película está intentando conjugar demasiados elementos dispares sin encontrar el balance entre todos. Esto la vuelve irregular, y su carácter caótico e impredecible empieza a volverse desgastante a medida que pasa el tiempo. La serie original del 90 tuvo que hacer muchas concesiones, pero, en retrospectiva, esto le ayudó a mantener un tono más equilibrado (al menos hasta la primera mitad de la segunda temporada). Si allí coexistían la luz y la oscuridad, aquí lo que hacen es una especie de tregua.

Con todas sus limitaciones, es bueno que un programa de televisión busque retar y confundir a los espectadores, en estos tiempos en donde se cree que las series están a la altura del cine, aún cuando el 99.9999% de los creadores de contenido no se atreverían a hacer ni la mitad de lo que están haciendo Lynch y Frost. Su osadía no tiene igual. La esencia de Twin Peaks sí ha vuelto, pero no de la manera en que todos lo esperábamos. A veces nos alcahuetea a los fans, y a veces nos abofetea. Sin embargo, podemos estar seguros de que en las seis partes restantes tendremos un par de sorpresas más.

 

 

Slacker

Slacker (1991)

Un día en la vida de varios desadaptados sociales, bohemios, pseudo-intelectuales, y desempleados de la ciudad de Austin, en Texas.

La primera película de Linklater en ser lanzada en salas de cine, es, al igual que muchas de sus obras posteriores, una película que muestra a un puñado de gente andando por ahí, haciendo nada “productivo”, pasando el tiempo hablando, bebiendo algo, yendo a un concierto o entreteniéndose. Aquí no hay trama, no hay suspenso, no hay progresión dramática. Es una serie de pequeñas viñetas de varios grupitos de personajes, enlazadas entre sí en el momento en que nuevos personajes entran a escena. Hay un uso interesante de los planos largos, en los instantes en que la película salta de un personaje y su combo a otro personaje, y así sucesivamente. A pesar de que es el profuso diálogo lo que sostiene la acción, la pretenciosidad que desbordan sus personajes (interpretados de manera adecuada por actores no profesionales), y el aire presumido y pomposo que le dan a sus ideas, por descabelladas que parezcan, crea un efecto cómico muy logrado.

pitufos krishna

“Un amigo mío tiene esta teoría rara sobre los Pitufos, pero la he estado pensando y, sabes, es medio cool, y de hecho estoy de acuerdo con ella, se trata de Krishna, ya sabes, como los Pitufos son azules, y él dice que los Pitufos están como, acostumbrando a los niños a ver gente azul, y es como, tú sabes, con los Pitufos siendo azules, los niños ven gente azul, ellos, como, los identifican con los Pitufos, y ellos relacionan la gente azul con, con cuando Krishna venga, ya sabes. Y no lo sé, estoy como de acuerdo con eso.”

Linklater muestra desde ya su peculiar habilidad para crear retratos de una generación específica, que se evidencia en algunas de sus películas posteriores, más laureadas. Esta película es el punto de partida para sus futuros estudios de los niños de los 70 (Dazed and Confused) y de los millenials (Boyhood). Aquí, habla de la Generación X. La apatía es la forma de rebelión de esta juventud descontenta, que vive hablando de teorías de conspiraciones y del hecho de que el capitalismo, el gobierno estadounidense y la manipulación mediática tienen jodida a la sociedad. Su rutina diaria es levantarse tarde, leer el periódico, comer algo, salir por ahí con los amigos a hablar de libros, películas, filosofía, inventar teorías raras, ideas pretenciosas, discutir, beber algo, ir a un toque/performance/película y ya. No les interesa en lo más mínimo buscar trabajo, ni progresar en sus carreras, aunque leen mucho y estudian, por lo general humanidades.

trabajadores mercancia muerte

“A todos los trabajadores allá afuera, ¡cada pieza de mercancía que producen es una pieza de su propia muerte!”

Slacker tiene un aire de frescura y de descuido irreverente que la hacen más atrayente (o soportable, dependiendo de lo que cada uno opine del director). Homenajea y celebra a los jóvenes pedantes pseudo-bohemios pseudo-artistas, pero al mismo tiempo se burla de ellos. En todo caso, todos los personajes se sienten vivos, reales, concretos, y muy peculiares. Si bien hacia el final se torna un poco cansina, debido a lo repetitivo de su dinámica, en términos generales entretiene, y Linklater logra transportar a la audiencia con éxito a aquel rincón suburbano de los Estados Unidos de principios de los años 90.

Impresiones sobre Twin Peaks: El regreso (partes 1 a 6)

Twin Peaks (2017)

Han pasado aproximadamente 25 años desde que el agente del FBI Dale Cooper desapareció en Twin Peaks. Su alma está atrapada en el Black Lodge, mientras su doppelgänger, que ha tomado posesión de su cuerpo, comete asesinatos en el mundo físico. Por otra parte, un hombre llamado Dougie Jones, con una apariencia física similar a la de Cooper, vive en Las Vegas. Al alma de Cooper se le concede permiso de salir, lo que iniciará su odisea por volver a su cuerpo. Logra salir del Black Lodge, gracias a la intercesión de extraños seres, y vuelve al mundo material, amnésico y casi catatónico. En este momento, Dougie Jones desaparece, porque “ha cumplido su propósito”. El alma de Cooper toma su lugar, y nadie parece notar la diferencia. Cooper, casi incapaz de hablar o de realizar cualquier acción por su cuenta, trata lentamente de recordar su vida. MUY lentamente.

El agente Hawk recibe una llamada de la Mujer del Leño, quien le dice que “algo hace falta”, con respecto a la desaparición de Cooper. Junto con Andy, Lucy, el sheriff Frank Truman (hermano del sheriff Harry Truman) y el ahora agente Bobby Briggs, deciden reabrir el caso, para tratar de encontrar al desaparecido agente.

Un mórbido hallazgo toma lugar en el pueblo de Buckhorn, en Dakota del Sur: la cabeza decapitada de Ruth Davenport es encontrada junto al cuerpo (igualmente decapitado) de un hombre desconocido. Las huellas de un director de escuela, que soñó con ser quien asesinaba a la mujer, se encontraron por toda la escena del crimen. Mientras tanto, en la ciudad de Nueva York, una misteriosa caja de cristal contiene un secreto siniestro, que cobra las vidas de una pareja joven. No hay rastro del culpable.

gordon cole what the hell

“WHAT THE HELL?!”

La primera impresión que provoca esta nueva serie es desconcierto. Muchos esperábamos Twin Peaks, y lo que estamos obteniendo a cambio en realidad es la película más ambiciosa de David Lynch. En 18 partes. Para televisión (Lynch ha manifestado su preferencia por este formato durante los últimos años, atreviéndose incluso a decir que “la TV es el nuevo cine arte”). Es una reinvención drástica de aquella serie de principios de los 90, a pesar de que conserva la historia y los personajes. De esto se pueden decir tantas cosas a favor como en contra.

Volver al pueblo de Twin Peaks únicamente para revivir viejas glorias, haciendo algo exactamente igual a lo que se hizo en aquellos tiempos, la condenaría a la irrelevancia (aunque a los fans tal vez nos hubiera gustado igual). Así que tiene todo el sentido del mundo el hecho de que Lynch y Frost se hayan atrevido a hacer algo diferente. Esta nueva serie es más críptica, más confusa, más escalofriante, y más explícita.

twin peaks glass box

Lynch aprovecha el hecho de que la televisión por suscripción es más laxa en cuanto a violencia y desnudez se refiere. Tal vez, dentro de su filmografía, sólo Eraserhead o ciertas secciones de Inland Empire son igual de perturbadoras.

Afortunadamente, el humor excéntrico aún está allí, para balancear los momentos más escabrosos, o hacer de ellos algo gracioso (ejemplo: vemos un enano matando gente con un picahielo mientras suena una canción de rap en el fondo). Lentamente nos van poniendo al día con aquellos viejos personajes, que resultan más entrañables todavía ahora que los vemos en su madurez, canosos y con arrugas. La serie original estaba invadida de melancolía por los seres queridos que se han ido. Aquí se percibe, aunque sólo por momentos, una sensación similar, pero más vinculada al paso del tiempo y la vejez. La actuación del reparto original tiene un dejo de añoranza, en donde resaltan las escenas que transcurren en el Departamento del Sheriff con Hawk, Andy, Lucy y hasta Bobby Briggs.

Merece una distinción por aparte el trabajo de Kyle MacLachlan, quien interpreta a las diferentes personas en las que se ha desdibujado el agente Dale Cooper. El lado analítico, racional e ingenioso del personaje ahora le pertenece al doppelgänger, quien aprovecha esas cualidades para asesinar con una frialdad y una eficiencia absolutas. El lado intuitivo, entusiasta y dulce del personaje ahora le pertenece a Dougie Jones, quien trata de recordar exactamente cómo funcionar en el mundo, con torpeza, incomprendido por quienes lo rodean, pero siempre paciente, haciendo las cosas a su manera, ignorando las opiniones de los demás. El contraste entre lo escalofriante del primero y lo ingenuo del segundo es muy bien logrado.

dougie jones coffee

Con todo, es bueno ver que algunas cosas sobre Cooper no cambian.

La disponibilidad de mayor presupuesto ha permitido ampliar el alcance geográfico de la serie, que se ha movido del entorno semirural de Twin Peaks hacia Las Vegas, Nueva York, y otras ciudades. Ver la modernización del mundo causa cierto impacto, ya que ver la acción confinada a aquel poblado del condado de Washington le daba a la serie original un aire atemporal, casi que espiritual o mágico, lejos de la contaminación del mundo contemporáneo. Pero ahora hasta en el bar del pueblo tocan varios grupos de música indie, que parecen sacados de reseñas de Pitchfork.

Hablando de música, las evocadoras tonadas de Angelo Badalamenti brillan por su ausencia (si bien el compositor realizó de nuevo la música para esta serie). Ocasionalmente aparece un número de jazz, pero, por la mayor parte, la música consiste en ambiente (que incluye en ocasiones extraños sonidos industriales), que sirve para realzar la atmósfera trastornada. Es muy sutil, en contraste con la serie original, donde el tema de Laura Palmer sonaba una y otra vez, continuamente.

cooper eyeless woman

La crudeza de los efectos especiales se ve compensada por la forma creativa en la que son utilizados. Las imágenes que construyen son bastante inventivas, y en general la nueva serie brilla en cuanto a aspectos visuales.

Se echa de menos el diálogo de la serie original, que era mucho más estructurado e ingenioso, ya que aquí se recurre al típico diálogo Lynchiano, críptico, parco, obtuso e innatural (aunque, paradójicamente, con más palabrotas), que funciona a ratos. La tendencia que tenía la serie de extender las líneas argumentales hasta el límite, se ha llevado aquí hasta extremos insospechados. Y, como mencioné anteriormente, aquí no tenemos la cálida atmósfera del pueblo de Twin Peaks para distraernos de ese hecho y olvidarnos de ello. En lugar de eso, vamos de ciudad en ciudad, de escena inconexa en escena inconexa, estilo Mulholland Drive. El interés se mantiene, y los episodios enganchan, pero eventualmente la impaciencia se empieza a sentir (¿o tal vez eso era lo que el director planeaba?). En 6 episodios, la trama apenas si ha avanzado, porque ha pasado tanto, que en realidad no ha pasado nada.

Da la impresión que a Mark Frost lo hubieran relegado sólo a desdibujar los aspectos de la mitología del universo, a pesar de que, según los créditos, coescribió el guión. Con todo y lo que aprecio a Lynch y su obra, siento que a veces se le da demasiado crédito en cuanto a Twin Peaks se refiere, algunos de los mejores episodios fueron escritos por Frost, e incluso Harley Peyton y Robert Engels. La visión de Lynch prima por sobre lo que era originalmente la serie, y, en consecuencia, desaparece el melodrama, junto con esa atmósfera acogedora de pueblito pequeño, ingredientes que eran gran parte de su atractivo. De no ser por la comedia absurdista y los momentos de nostalgia, esta nueva serie caería en el mismo error que la película de Fire Walk With Me: la caída hacia la oscuridad total, sin una luz que balancee las cosas.

Con todos sus aciertos y errores, el regreso de Twin Peaks ha sido, en términos generales, satisfactorio (hasta el momento), debido a su atrevimiento, creatividad y simplemente al hecho de que, aún en esta “era dorada de la televisión”, es raro ver un producto tan intransigente, que no obedece a compromisos de ejecutivos, ni de audiencias, ni de canales, ni a mantener reputaciones pasadas, siguiendo únicamente su propio camino, haciendo algo fresco, nuevo, que verdaderamente se podría considerar a medio camino entre la televisión y el cine “de arte”.

 

 

En la ciudad de Sylvia

En la ciudad de Sylvia (2007)

Un hombre vuelve a la ciudad donde conoció a una mujer de la que se enamoró, seis años atrás, para tratar de encontrarla.

La atmósfera veraniega y soñadora de esta meditativa película es construida cuidadosamente. Predominan los colores dorados, beige, verde, y marrón. La cálida luz del sol ilumina la ciudad. El diálogo es mínimo, casi inexistente. Los sonidos de la ciudad vienen y van, sin arrebatarle nunca el lugar al silencio. Las composiciones de los planos son impecablemente cuidadas. A pesar de que se construye una cierta tensión, que va continuamente en aumento, el ritmo nunca deja de ser pausado, tranquilo.

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Durante el primer tercio de la película se usan varios planos fijos de rostros de mujeres, que ilustran de manera poética la búsqueda del protagonista, que trata de encontrar a Sylvia en todas las mujeres que ve.

El contraste entre el uso de estos planos fijos y el uso de planos secuencia más prolongados durante aquella porción de la película en la que el protagonista persigue a la mujer de rojo es lo que genera esta tensión. La sensación de voyeurismo, que siempre está presente, se intensifica, se hace más fuerte a medida que él se acerca a ella (ni hablar de cuando él espía a otra mujer distinta por la ventana, la cual está de espaldas, en ropa interior, secándose el pelo). Adoptamos la perspectiva de él, que persigue con vehemencia a la mujer que tanto ha esperado, soñado, imaginado.

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“Es muy desagradable que te sigan por la calle”.

En la ciudad de Sylvia retrata una fijación netamente masculina, aquella de atrapar a la mujer que se fue, tratando de hallar su semejanza en otras, construyéndola en base a recuerdos, haciendo bocetos para rememorar su apariencia. Él permanece constantemente acudiendo a su memoria, el único lugar en donde está Sylvia, a quien nunca ha olvidado, a quien siempre ha tratado de encontrar. Ese es su ideal, y él vive sin tener una percepción auténtica de la realidad, buscando alcanzarlo. Él es de los románticos peligrosos que no sólo piensan en su sueño, sino que toman acciones para hacerlo realidad, sin importar si son extrañas e inquietantes. Su falta de perspectiva le impide ver que lo más probable es que no encuentre lo que busca, y que su obsesión solo terminará haciéndole un mal. La confrontación entre las fantasías del protagonista, su manera de actuar, y la realidad, hacen el clímax perfecto para la película.

Turbulentas pasiones sin cumplir se agitan bajo la naturalista, silenciosa y sencilla superficie de En la ciudad de Sylvia. La sutileza de los medios que utiliza el director español para sugerirlas les confiere un poder tremendo. Una película alejada de lo convencional (no tiene mucho de drama, y no se le podría considerar un romance), dotada de una frágil belleza peculiar.

Tren de sombras (El espectro de Le Thuit)

Tren de sombras (El espectro de Le Thuit) (1997)

La madrugada del 8 de Noviembre de 1930, el abogado parisino Gèrard Fleury salió en busca de la luz adecuada para completar una filmación paisajística en torno al lago de Le Thuit. Ese mismo día falleció en circunstancias aún no esclarecidas. Poco antes realizó una de sus modestas producciones familiares, la que accidentalmente sería su última película.

Una exploración sobre el paso del tiempo, que plantea al cine como un “preservador de la memoria”. La alternancia entre películas a blanco y negro (deliberadamente deterioradas, llenas de rayones, y manchas, con el fin de conseguir una mayor verosimilitud, al hacer que parezcan filmadas en la década de los 30), y película a color, es la base sobre la cual se construye dicho efecto del paso del tiempo. Las películas viejas están llenas de vida y movimiento, y en ellas la acción se desarrolla a un ritmo acelerado, pero se ven grises y decaídas. Las películas nuevas están llenas de color, pero sumidas en la quietud, el tiempo a duras penas avanza. La obra tiene una atmósfera espectral.

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El contraste entre pasado y presente es una parte fundamental de la película.

El soundtrack usa obras de varios compositores clásicos, las cuales se ajustan perfectamente al contenido de las diferentes piezas de películas caseras. El silencio, los sonidos de la cinta rodando en el proyector, y los leves efectos sonoros de las secciones del presente también crean un efecto de choque. Progresivamente se van deconstruyendo las modestas producciones de Fleury, con el fin de resaltar situaciones no aparentes a simple vista. Es así como se revelan un par de diminutos detalles sobre su familia, sin embargo, la vida (y la muerte) de este personaje siguen siendo un enigma. El cine puede ser un preservador de la memoria, pero se deteriora, se distorsiona, no es permanente, es incompleto.

gerard fleury

Inaccesible y por momentos fatigante (a veces el film se pierde en su contemplación y el ritmo sufre como consecuencia de ello), sin embargo, dada su cuidadosa construcción, su belleza estética (en cuanto a fotografía es insuperable, gracias a sus meticulosas composiciones y su iluminación, ya radiante, ya llena de sombras), y su originalidad, resulta bastante destacable. Al mismo tiempo, sirve como un homenaje al cine mudo, su magia, su manera de contar historias y de retratar situaciones.

Gummo

Gummo (1997)

El pueblo de Xenia, en Ohio, es arrasado por un tornado, y nunca se recobra del desastre. Sumidos en la pobreza, los habitantes del pueblo buscan maneras extrañas y autodestructivas de pasar el tiempo. Entre ellos están los adolescentes Tummler y Solomon, quienes matan gatos callejeros para venderlos a un tendero, Bunny Boy, un niño mudo que vaga por las calles con unas orejeras de conejo, y muchos otros personajes variopintos.

La experiencia de ver Gummo es similar a la de ver algo repugnante, pero ser incapaz de apartar la mirada, a pesar del asco. Un estilo de filmación casi documental se intercala con videos caseros y de archivo, provenientes de diversas fuentes escogidas por el director, en lo que constituye un destacable trabajo de edición por parte de Chris Tellefsen. Las deterioradas y decadentes locaciones (casas llenas de basura, en el desorden más absoluto), y el diseño de vestuario a cargo de Chloë Sevigny (el cual consiste en ropa que ya tenían los actores mezclada con ropa de tiendas de oferta) construyen en pantalla este pueblo olvidado y desolado, donde no pasa el tiempo, que parece estar ubicado en medio de la nada.

tummler solomon

La mayoría de los actores eran no profesionales. Este recurso ha sido usado infinidad de veces en otras películas, sin embargo, aquí destaca porque los actores fueron escogidos en base al “aura visual” que proyectaban: el de una juventud sin sueños, sin futuro.

Gummo no tiene una trama como tal, es una colección de momentos y situaciones que destacan de una u otra manera. Resultan hiperrealistas y absurdistas en partes iguales. Los diálogos son poco articulados y casi incoherentes, pero considerando el contexto de la película, son más que adecuados. La combinación de música utilizada resulta ecléctica, abarcando desde el pop de Roy Orbison y Madonna, pasando por el black metal de Mystifier y Bethlehem, canciones cristianas y tradicionales, el dark ambient de Burzum, y hasta una suite para cello de Bach.  Todos estos factores le confieren a la película el carácter de un collage (al cual, dicho sea de paso, se le pudieron haber quitado un par de “recortes”).

lucha con silla

El gran defecto de Gummo es que algunos de sus intentos en causar shock al espectador resultan forzados y poco creíbles, por su naturaleza exagerada. La película está mejor cuando muestra escenas como la que nos ocupa: dos borrachos simulando pelear contra una silla al mejor estilo lucha libre.

El nihilismo pervade hasta el aire que respiran los personajes. Miseria, abuso sexual, prostitución, transvestismo, maltrato animal, drogadicción, alcoholismo, vandalismo, racismo, ignorancia, eutanasia, y por supuesto, vacío existencial, son situaciones (algunas de ellas permeadas de un humor fatalista) que constituyen la vida diaria de los habitantes de Xenia. La cámara no emite juicios de valor sobre las conductas de los personajes. Podemos llegar a simpatizar con estos desposeídos, al ver por lo que han pasado. Tal vez por ello la película resulta teniendo algo más de humanidad y calidez de lo que uno pensaría inicialmente, trascendiendo más allá de su naturaleza ofensiva.

enano negro gay

“I’m so lonely… I’ve got no one. There’s no one left. I’ve got no one left, I’ve got no one to love me anymore.”

Una película con una atmósfera densa, llena de suciedad y tristeza, pero con una especie de extraña belleza. Hecha para hacer sentir al espectador tan incómodo como sea posible, es capaz de provocar repulsión, conmover, ofender, causar compasión y risa al mismo tiempo, en frecuentes ocasiones. No es una obra maestra, pero a pesar de caer en la autoindulgencia, es única e inolvidable.

It’s Such a Beautiful Day

It’s Such a Beautiful Day (2012)

Una compilación de tres cortometrajes animados: Everything Will Be OK, I Am So Proud of You y It’s Such a Beautiful Day, que narran la historia de Bill, quién sufre una grave enfermedad que lentamente le está haciendo perder sus recuerdos. Bill empieza a reflexionar sobre muchas situaciones de su vida y sobre su propia existencia, mientras su estado físico y mental se deteriora.

En cuanto al aspecto visual, nos encontramos ante una película muy particular, ya que el estilo que predomina es la animación a mano, que usa “muñecos de bolitas y palitos”, los cuales realizan múltiples acciones en una pantalla dividida. También se usa animación stop-motion hecha a base de fotografías, pinturas en matte, y varios efectos creados con la misma cámara (Hertzfeldt usa una cámara bastante antigua), tales como superposiciones (de las figuras animadas en las fotografías, o con otras figuras animadas).

bill doctor beautiful day

Frecuentemente se ha llamado al estilo de Hertzfeld “el equivalente animado de David Lynch”, debido a que ambos juegan con la imagen para retratar el subconsciente del ser humano.

 

El fluido ritmo de los “capítulos” de la película mantiene al espectador permanentemente atento durante sus 62 minutos de duración. El guión, escrito por el mismo Hertzfeldt, balancea de manera sutil el agudo humor negro, el surrealismo absurdista, y el drama existencial. La narración/voz en off complementa muy bien la acción en pantalla, además de ser evocadora. El uso de obras de compositores como Chopin, Rachmaninov o Wagner nunca se sientre trillado, sino que por el contrario, crea un efecto de contraste bastante bien logrado.

stars beautiful day

“An impression, from a ghost, an amazing, infinite time machine, every night above his head, that he’s ignored for most of his life.”

It’s Such a Beautiful Day es el viaje de Bill, en el cual confronta y acepta su propia mortalidad. Durante la mayor parte de su vida, vivió aislado, desconectado de su realidad, de la brevedad y fugacidad de la vida. El tiempo se le escapó de las manos sin que él se diera cuenta, para él la vida era gris y monótona, siempre vivía pensando en el futuro, en la hora del fin, hasta que pudo encontrar la felicidad en la belleza de los pequeños detalles (y grandes misterios cósmicos) que posibilitan algo tan misterioso como nuestra existencia.

Graciosísima, pero desgarradoramente triste, cruel pero dulce, compleja, pero sin pretensiones, y con un trasfondo esperanzador bajo su tono nihilista, es una de las obras animadas más celebradas de esta década (en la Internet, al menos). Su capacidad de darle nuevos usos a técnicas tradicionales de animación, así como de reinventarlas, la hacen una experiencia cinematográfica única e imperdible.