Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans

Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans (2009)

Terence McDonagh es un policía que sufre dolores de espalda de manera permanente, adquiridos al rescatar a un prisionero durante el huracán Katrina. Para lidiar con su malestar, se vuelve adicto a los medicamentos, al sexo, y a las apuestas. Cuando una familia de inmigrantes africanos es asesinada, McDonagh queda al frente del caso, que involucra a un traficante de drogas conocido como Big Fate. Ante los tropiezos que se presentan en la investigación, el teniente empieza a adoptar métodos poco ortodoxos.

La versatilidad de Herzog se pone de manifiesto en esta enloquecida película policíaca, en donde realiza un estudio de uno de sus típicos personajes: un hombre que llega a extremos insospechados para conseguir su objetivo, teniendo a todo el mundo en contra suya. A su vez, TBL:PoCNO es una especie de sátira estrafalaria de las convenciones de las típicas películas de policías rudos que no siguen las reglas pero terminan atrapando al malo de todos modos. Nicolas Cage le da vida a este teniente corrupto, en la que constituye una de sus actuaciones más destacables. McDonagh es un tipo amoral y despreciable, de temperamento violento, al borde de la locura por su adicción a las drogas, y sin ninguna consideración por los demás. El histrionismo de Cage lo hace genuinamente malvado, pero también chistoso a más no poder.

cage bad lieutenant

“Todo lo que tomo es recetado. Menos la heroína.”

La acción se desarrolla en un mundo definido por la corrupción y el absurdo, donde las catástrofes son el pan de cada día. Las escenas exteriores casi siempre ocurren en barrios marginales, que han sufrido el paso del huracán. Las tomas de las iguanas y los caimanes en primer plano se diferencian mucho del resto de la película, siendo filmadas con una temblorosa cámara en mano que sigue persistentemente el rostro de los reptiles. Los animales corren rampantes a lo largo de TBL:PoCNO, ¿tal vez son un símbolo del caos? ¿O del trastorno del protagonista? Su inclusión resulta enigmática, y se destacan sobre las otras, porque hacen que la película resulte más demente, si bien, por la mayor parte, es bastante lineal, y la trama está bien construida. Las disrupciones provienen por parte del humor negro que hace parte de todas las situaciones (y que principalmente se deriva del comportamiento de sus antisociales personajes).

nicolas cage iguana

♫ Release me
If you don’t need me, if you don’t want me
Oh, baby, why don’t you just let me love again? ♫

La gran ironía de la película es que McDonagh se toma en serio su trabajo, y de veras le importa capturar a los narcotraficantes y llevarlos ante la justicia, siendo él mismo un criminal en toda regla. Aún más alarmante es el hecho de que absolutamente nadie coopera con la justicia, ni los testigos siquiera, y de que la gente con buenos abogados o contactos en la política pueda simplemente ignorar la ley. Ante una situación como la que enfrenta el teniente, no le queda otra opción que combatir fuego con fuego. Casi que el espectador se ve obligado a simpatizar con él, aún viendo todos los abusos que comete, desde amenazar a un par de abuelitas, hasta chantajear a un jugador de fútbol para obligarlo a que logre el resultado que lo favorezca en las apuestas.

Claro que el carisma de Cage ayuda, y verlo haciendo el mal casi que con júbilo es divertidísimo. Casi tan divertido como el saber que todo le sale bien, sin importar lo que haga. Él es el “bueno” de la película, después de todo, y por regla el bueno tiene que ganar como sea. Esto hace de TBL:PoCNO una cuasiparodia desenfrenada, que poco tiene que ver con Bad Lieutenant de Abel Ferrara.

Le fabuleux destin d’Amélie Poulain

Amélie (2001)

Amélie es una mesera tan tímida y solitaria como linda y llena de imaginación. En el día de la muerte de la Princesa Diana, descubre una caja con juguetes de hace décadas. Al entregársela a su dueño, y ver que esto causa un impacto positivo en su vida, Amélie decide pasar sus días haciendo felices a los demás. Pero cuando conoce a un chico que colecciona las fotos que la gente va desechando en las fotocabinas, no sabe cómo acercarse a él. Aunque ella está fascinada por él, prefiere acercársele con juegos y pistas escondidas en lugar de hablarle directamente.

Resulta curioso el hecho de que una película como esta genere reacciones tan vehementes entre quienes la han visto. Por un lado, están quienes la adoran, exaltándola como una obra de arte suprema, y por otro lado están quienes detestan su idílica representación de París, y a su protagonista singular. Considero que criticarla porque es demasiado juguetona y fantasiosa está fuera de lugar, porque la película hace un trabajo exitoso a la hora de presentarnos el mundo a través de los ojos de Amélie.

audrey tautou

Quien desarrolla una imaginación activa y una manera optimista de ver el mundo precisamente para lidiar con los traumas de su niñez.

Pero también creo que alabarla como una película super original y única tampoco es adecuado. Tiene un referente clarísimo en La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieślowski. Por nombrar los nexos más evidentes, ambas películas tienen como protagonista una francesa bellísima, ambas tienen una paleta de color inundada de rojo, verde y amarillo (que evoca una extraña calidez), y ambas hablan de un hombre y una mujer encontrándose el uno al otro a través de estratagemas y pistas. La edición, en ocasiones frenética, así como la narración que parece saber todo sobre los personajes, y lo cuenta de manera casual, así como el rompimiento del cuarto muro, recuerdan las películas de Godard. Pero como bien dice éste, “no es de dónde se toman las cosas, sino hacia dónde se llevan.”

amelie

Jeunet básicamente toma todos estos elementos visuales y narrativos, los hace más extravagantes, y les echa toneladas de azúcar encima, creando un mundo de cuento de hadas. Lo peor es que funciona.

Amélie dice mentiritas piadosas, manipula y hace travesuras, con tal de hacer feliz a todo el mundo. Se podría decir que tanto película como protagonista siguen el mismo modus operandi, porque su encanto es irresistible, a pesar de que lleva cierta carga de artificio. Si bien el humor funciona la mayor parte del tiempo, la historia de amor se siente muy ligera. Lo único que le da algo de peso es la interpretación de Audrey Tautou, quien, dicho sea de paso, es la clave del éxito de la película. Que sí, que su personaje es muy dulce y aniñado, pero tiene el carisma suficiente para no volverse insoportable. Entre otras cosas, su ansiedad social es retratada de manera convincente, y su faceta de estratega pícara demuestra que no es nada ingenua.

amelie disco

La música de Yann Tiersen es muy efectiva, si bien llega a tener un dejo sentimental que por poco llega a chirriar. Con todo, resulta difícil de creer que no la hayan compuesto exclusivamente para la película.

Amélie ensalza el poder de la imaginación para escapar de una cruda realidad, habla de la importancia de servir a los demás, pero sin dejar de lado las propias necesidades, y se divierte con los pequeños placeres de la vida. A pesar de su cursilería, y de sus otras limitaciones (como una falta de cohesión en el argumento), es muy divertida, dulce y encantadora. El espectador tiene dos opciones: verla por lo que es y dejarse llevar (en cuyo caso la disfrutará, le subirá el ánimo más que cualquier antidepresivo, y le tocará las fibras del corazón) o rechazar su mundillo donde todo es bonito y, donde a pesar de las penas, siempre se puede ser feliz (lo que hará que verla sea como una tortura medieval). Yo elegí la primera opción.

Repo Man

Repo Man (1984)

Otto es un punkero que trabaja en un supermercado, hasta que es despedido por su mal comportamiento. Un hombre llamado Bud le ofrece trabajar como un “Repo Man”, una persona que roba carros que no han sido pagados por sus dueños y los retiene hasta que éstos paguen sus deudas. Otto rechaza el trabajo, porque quiere retomar sus estudios, pero sus padres no tienen dinero para enviarlo a estudiar, porque se lo donaron a un televangelista. Al no tener mayor opción, acepta ser un Repo Man.

La sinopsis inicial no da cuenta de las absurdas aventuras que encontrarán los personajes a lo largo de la película. Esta es la clase de cine que sólo pudo haberse concebido durante los años 80. Persecuciones automovilísticas, luces de neón, paranoia conspiracionista de la era Reagan, ufología, publicidad llamativa (los bienes de consumo tienen todos por igual una etiqueta blanca, con letras azules que dicen simplemente “Comida”, “Cerveza”, “Leche” y cosas por el estilo) y rebeldía de contracultura. Repo Man bebe del movimiento punk, tanto en la música (que incluye a Iggy Pop, Black Flag y Suicidal Tendencies), como en la concepción de los personajes (unos vándalos a quienes les vale poco la sociedad) y hasta en su mismo carácter anárquico.

repo man culpa sociedad

“Sé que llevar una vida criminal me condujo a este triste destino. Pero aún así, culpo a la sociedad.”

De estas y otras joyas está lleno el guión de Alex Cox, que, al igual que cualquier banda de punk que se precie de serlo, descarga bilis contra todo y contra todos, con sorna y desprecio por la sociedad, pero al mismo tiempo con una ironía que le permite no tomarse a sí misma tan en serio. Es obvio que esta no es una película seria. Objetivamente, no se le puede considerar “buena”. Está montada de manera supremamente torpe, con saltos abruptos en continuidad que dejan a la narrativa llena de huecos. La confusión que sentí tratando de seguir el rastro de la trama me impidió disfrutarla tanto como hubiera querido. La comparación con el punk toma más fuerza: Repo Man es exactamente como una banda que descarga su ira contra la sociedad en sus letras, pero no sabe ni tocar sus instrumentos.

repo man radiacion

Los efectos especiales de bajo presupuesto son bien divertidos. ¡Los paralelismos con el punk parecen no acabar!

Claramente no estamos ante un producto comercial sin alma, y si bien Repo Man no se dedica en absoluto a reflexionar sobre la condición humana, hay ciertas cosas que resaltan en su visión de mundo, que es claramente anti-autoritaria y anti-consumista. Los agentes del gobierno son pintados como máquinas represivas sin ninguna moral, que ocultan una conspiración alienígena al gran público, a pesar de que el pueblo lo sabe. La religión tampoco sale muy bien parada, si bien el foco de la sátira son los televangelistas avaros que explotan la fe de las personas. A John Wayne, el arquetipo de lo rudo y masculino en los Estados Unidos, se le tilda de “marica”. Pero por otro lado, no es que los rebeldes sean mucho mejor. Básicamente todos los personajes son unos imbéciles sin mayor interés que su beneficio propio.

inconsciente cósmico repo man

“Mucha gente no se da cuenta de lo que está pasando, ven la vida como un puñado de incidentes y cosas sin conexión. No se dan cuenta que existe una red de coincidencias que lo envuelve todo (…) Todo es parte de un inconsciente cósmico.”

Ese inconsciente cósmico es lo único que le puede dar sentido a todas las locuras que la película le arroja sin descanso al espectador. Repo Man es muy única, es como una especie de arte marginal, completamente chiflada, divertida e iconoclasta. Su actitud rabiosa de “jódanse todos” hace que uno deje pasar por alto sus fallas. Película de culto por excelencia.

Night on Earth

Una noche en la tierra (1991)

Una antología de cinco historias, que suceden en cinco diferentes ciudades: Los Ángeles, Nueva York, París, Roma y Helsinki. Todas ocurren dentro de un taxi, e involucran únicamente al taxista y sus pasajeros.

Una película sencilla y sin mayores pretensiones que logra ser bastante entretenida. Jarmusch escogió estas cinco ciudades en particular en base a los actores con los que quería trabajar. Todos los personajes tienen rasgos pintorescos, y todos tienen sus historias particulares: la mayoría son cómicas, algunas son dulces, otras son tristes. Cada miembro del elenco, desde Winona Ryder hasta Matti Pellonpää, está muy bien en su papel. La mayor parte de la acción pasa dentro de los taxis, y consiste en las conversaciones que tiene el conductor con los pasajeros. A pesar de las sutiles variaciones tonales en cada situación, ningún segmento desentona con los otros.

night on earth

La fotografía de Frederick Elmes contribuye en gran medida a pintar la atmósfera de cada ciudad: Los Ángeles está envuelta en una bruma de ensueño, Nueva York tiene una apariencia áspera y sucia, los colores rojos y rosas le dan a París un dejo vagamente romántico, Roma se ve antigua con sus tonos terrosos, y los azules y blancos de Helsinki la hacen helada y melancólica.

Con planos de calles cualquiera se nos acaba de transmitir el aura de cada ciudad. No necesitamos ver la Estatua de la Libertad para saber que Nueva York es Nueva York, ni la torre Eiffel para saber que París es París. Casi lo mismo ocurre con las mini “tramas”, no tienen que ser una gran historia para que sean efectivas.

Una noche en la Tierra se empeña en buscar y celebrar las conexiones y similitudes entre todos los seres humanos, sin importar su raza, lugar de origen o clase social. Sume a la audiencia en estas historias tan particulares, atrapándolas al mostrarles lo universal que pasa dentro de las mismas. No hay una gran progresión dramática, ni grandes revelaciones, pero sí pequeños momentos e ideas que se quedan, flotando casi que en el aire, y que ponen a los personajes y espectadores a pensar. Y todo se desarrolla con un aire muy casual, la película en ningún momento se da ínfulas de importante ni de profunda. Al contrario, es muy divertida (qué taxistas tan malos, por cierto).

Cada segmento destaca a su manera particular: la actitud ruda de la taxista de Los Ángeles; la dulzura de Helmut, el inmigrante alemán; el tenso intercambio verbal entre la ciega parisina y el taxista negro; el personaje de Roberto Benigni y todo lo relativo a él (usa gafas oscuras de noche, y mientras habla, gesticula, ¡quitando ambas manos del volante mientras maneja!); y la triste historia del taxista finlandés, que le enseña una moraleja a sus ebrios pasajeros. A pesar de esto, la película funciona más como un todo, invitándonos a sentarnos y pasar un buen rato, como el que uno podría pasar charlando amenamente con un taxista. Una noche en la Tierra es un minimalista pero singular retrato de la noche en la ciudad, que exuda una frescura irresistible.

Ed Wood

Ed Wood (1994)

La historia de cómo Ed Wood, “el peor director de todos los tiempos”, logró, contra todo pronóstico, filmar sus películas más infames: Glen o Glenda, La novia del monstruo, y Plan 9 del espacio exterior, ayudado por el legendario actor Béla Lugosi (caído en desgracia por culpa de las drogas) y una banda de excéntricos personajes, marginados por la sociedad Hollywoodense.

Los guionistas Scott Alexander y Larry Karaszewski habían querido hacer una biopic de Ed Wood desde que estaban en la universidad. Cuando Tim Burton, quien siempre había sido fan de las películas de Wood, fue involucrado en el proyecto como productor, manifestó su interés por dirigir la película. A partir de la mutua fascinación que sentían estos tres personajes por Wood y su historia, crearon un cálido homenaje a este director, cuya completa falta de talento era contrastada con una visión singular. El homenaje se extiende a las películas de terror y ciencia ficción de clase B, y, en últimas, al cine mismo.

jala el hilo lugosi

Los momentos más cómicos de la película incluyen (pero no están limitados a) aquellos en donde Wood y su equipo filman las escenas de sus películas.

Las circunstancias de la trastornada vida del director de Plan 9, al igual que las ideas de sus guiones originales, proporcionaron material suficiente para hacer comedia. No tuvieron que recurrir a la burla, ni a la ridiculización, ni a la exageración. La realidad superaba a la ficción. Para recrear la enloquecida atmósfera del mundo de Wood, Burton tomó la acertada decisión de filmar en blanco y negro, dándole a la película un aire casi expresionista. La música de Howard Shore contribuye a ello, con su uso del theremin, aunque la mayor parte del tiempo es bastante sutil.

depp landau

Estos elementos por sí solos no harían mucho si la película no contara con grandes actuaciones, como la de un genial Martin Landau, que se lleva por delante al resto del elenco, interpretando a un Béla Lugosi lleno de demonios personales, pero vulnerable y de humor sardónico. Destacan también Jeffrey Jones, Bill Murray y el mismo Johnny Depp, todos encarnando personajes de una excentricidad hilarante.

En la vida real, era evidente que Ed Wood no era un buen director. Su vida sórdida tuvo muchas facetas oscuras, que no fueron tratadas directamente por Burton y compañía, sino que fueron meramente sugeridas, o minimizadas. Las múltiples libertades creativas que se tomaron con la historia tienen un propósito claro, que es el de dignificar las virtudes de este personaje, que seguía luchando por sus sueños aún cuando las condiciones eran completamente adversas, que, a pesar de no tener un gran talento, podía influenciar a aquellos a su alrededor, y que se rehusaba a hacer concesiones, aún cuando en ocasiones se las proponían por su propio bien. Tanto el sistema de los grandes estudios, como el de las películas de explotación, son mostrados como negocios en la bancarrota creativa, en donde lo único que interesa es hacer películas que generen un beneficio económico.

ed wood cine conjunto detalles

“El cine no se trata de los pequeños detalles, sino del conjunto.”

Dentro de este contexto, tiene sentido que Depp interprete a Wood como si tuviera la ingenuidad y el entusiasmo de un niño, porque no existe otra explicación para que Glen o Glenda, La novia del monstruo y Plan 9 salieran como salieron. Ciertamente un director cínico, preocupado por hacer películas taquilleras, nunca hubiera podido lograr tales resultados (si bien Wood le promete a todos sus productores que sus creaciones tendrán éxito financiero).

Por otra parte, el desprecio que su obra, él, y sus asociados despertaban entre la mayoría de las personas, por ser “fenómenos”, nos recuerda que a veces los mayores males provienen de la gente común y corriente. Wood aceptaba en sus películas a cualquiera que estuviese dispuesto a participar en ellas, sin importar si eran gays, drogadictos, o si su apariencia estaba por fuera de los cánones de belleza aceptados por la sociedad. Le dio trabajo y ayuda a un adulto mayor a quien Hollywood le dio la espalda, luego de haberlo explotado. Todos estos inadaptados tienen más calidad humana que los actores y directores famosos (la situación del personaje de Vampira merece atención en cuanto a este respecto).

Ed Wood es divertidísima, pero tiene unos momentos de una tristeza punzante, que transmiten un mensaje de compasión y respeto hacia la diferencia, ya dejando de lado todos los chistes y todas las locuras de sus personajes. Estos momentos trágicos le dan un peso especial a la película, haciendo que trascienda la mera comedia para convertirse en algo verdaderamente especial, lleno de calor humano. Una película muy bella, que hace reír, pero también llorar, que tiene un fino humor negro, pero que toca profundamente el corazón de la audiencia. Probablemente lo mejor que Tim Burton haya realizado (y llegará a realizar, por lo visto). No queda más sino decir:

Amigos, ¡¡¡¿¿¿PUEDEN SUS CORAZONES SOPORTAR LOS HECHOS REALES DE LA ESPANTOSA HISTORIA DE EDWARD D. WOOD JUNIOR???!!!

Duo luo tian shi

Ángeles caídos (1995)

Dos historias sobre el desamor y la soledad apenas interconectadas por tenues coincidencias, que toman lugar entre la megalópolis de Hong Kong. Por una parte está la de un par de asesinos a sueldo, Wong y su “socia”. Casi nunca se ven, pero ella está profundamente enamorada de él. Cuando Wong le anuncia que dejará de matar gente por dinero, ella queda conmocionada. En el mismo edificio en donde vive ella reside un muchacho llamado Ho Chi Moo, que entra sin permiso en los negocios del vecindario a altas horas de la noche, y fuerza a los transeúntes a comprar la mercancía. A Ho Chi Moo le ha resultado difícil relacionarse con los demás, porque es mudo, pero una noche conoce a su primer amor.

Wong Kar-wai escribió un tercer segmento para Chungking Express, pero terminó haciéndose tan largo, que decidió filmarlo por separado. Resulta complicado hablar de ambas películas por separado, ya que ambas comparten la misma idea, temática, parte del elenco, y locaciones. Sin embargo, esta película en realidad viene siendo el doppelgänger de Chungking Express. Tonalmente no son tan similares, porque mientras aquella era ligera y optimista, ésta es cruda y amarga. Esta “gemela siniestra”, es frecuentemente pasada por alto, y no recibe el mismo reconocimiento que su predecesora, a pesar de ser igual de buena, si no mejor.

prisionero 223

El personaje de Takeshi Kaneshiro se nos presenta diciendo: “De niño era muy hablador. Pero me comí una lata vencida de piña cuando tenía 5 años… y dejé de hablar.” (Guiño, guiño)

Ángeles caídos es un retrato caleidoscópico de la soledad urbana. La profusión de tonos rojos, verdes y amarillos, y luces de neón sobre un paisaje nocturno de sórdidos locales como bares, restaurantes, apartamentos de mala muerte, y solitarios sectores comerciales, le dan a la película una atmósfera decadente, pero vibrante, propia de los bajos fondos. El profuso, casi esquizofrénico movimiento de cámara, junto con el uso de angulaciones irregulares y lentes particulares, recrea el frenético ritmo de la vida de los habitantes de la ciudad (en especial de los sicarios y ladronzuelos que protagonizan la película).

angeles caidos tiroteo

Mención especial para los tiroteos, en donde el uso de la cámara lenta crea imágenes borrosas, desorientadoras y caóticas. No se asemejan mucho a los tiroteos de película de acción que uno acostumbra ver.

Las canciones pop que suenan durante la película adquieren prominencia al estar asociados a situaciones o personajes particulares, y si bien su uso se acerca peligrosamente al punto del exceso, no lo rebasa, y la música no se hace tediosa. Destacan las actuaciones de Kaneshiro, que balancea la inocencia y el carácter antisocial de su personaje con un genial ritmo para la comedia, y Michelle Reis, que interpreta a una asesina multifacética: fría, pero deseosa de afecto, algo huraña, pero muy sensual.

angeles caidos

Los respectivos enamoramientos de los personajes tienen matices distintos, el de “la socia” es más carnal, mientras que el del mudo es más emocional.

Ángeles caídos es profundamente estilizada, lo cual acentúa su carácter romántico. Los personajes son soñadores que se pierden en sus fantasías amorosas, sin darse cuenta de que las personas de las que se enamoran son indiferentes ante dichas fantasías, y buscan estar con alguien distinto. No pueden expresar sus sentimientos, ni sus intenciones, de manera adecuada, por lo que no llega a haber una conexión verdadera ni entre los dos sicarios, ni entre el mudo y la mujer enloquecida, sólo la vivencia de un sueño efímero por parte de la persona enamorada, que la otra persona corta, de manera abrupta. Al final queda una sensación agridulce, por lo que pudo haber sido y no fue, o por lo que fue prometedor al inicio, pero se desvaneció, dejando sólo dolor y un par de buenos recuerdos.

El tema de los recuerdos se afianza con la figura del papá del chico mudo, en una línea argumental más conmovedora que cualquiera de las historias de desamor presentadas. La relación más duradera y más dulce de la película es aquella que ocurre entre estos dos hombres silenciosos viviendo su cotidianidad, uno viudo, el otro despechado, compartiendo sus soledades. Se resalta la importancia de honrar estos otros recuerdos, que tienen un matiz distinto, más significativo, porque son los recuerdos de la familia, un amor más tangible y duradero que el de cualquier fantasía.

El tiempo pasa, inevitablemente y de prisa, el amor se acaba, nuestros seres queridos fallecen, pero debemos seguir adelante, y sólo los recuerdos nos quedan. Tratar de aferrarse o recuperar el pasado no trae sino dolor. Con esta melancólica conclusión nos deja Ángeles caídos, una montaña rusa de emociones en donde tienen cabida el erotismo, la dulzura, el humor, y las bromas, pero también la soledad, la violencia, la muerte, y el amor no correspondido. Un hechizo de añoranza al que es difícil resistirse, una de las mejores películas situadas en un entorno urbano moderno que he visto, y más digna de reconocimiento que su laureada predecesora.

Lascars

Lascars (2009)

José y Tony son dos muchachos de los suburbios que esperan irse de vacaciones a Santo Rico, pero reciben los tiquetes de avión equivocados, por lo que sus planes se arruinan. Para conseguir dinero, Tony se compromete a vender droga, mientras que José consigue trabajo como albañil en la casa de un juez adinerado.

Película de animación francesa basada en los personajes de unos segmentos televisivos que duraban un minuto y medio, y vivían haciendo chistes sobre la vida en los barrios bajos, la cultura hip hop, el sexo, las drogas, la pobreza y la necesidad de conseguir dinero por cualquier medio. Básicamente, aquí se trasladan los chistes a un largometraje que pasa gran parte del tiempo sin un rumbo definido, lo cual no sería un problema, de no ser porque varios de los chistes no son tan divertidos, para empezar. De hecho el humor mejora cuando finalmente la historia comienza a tomar algo de forma, porque termina definiendo el curso de las situaciones por las que pasan los personajes.

lascars

La estética es llamativa, la aspereza de los entornos y los rasgos grotescos de los personajes le dan a Lascars un aire muy callejero, en tono con la temática de la que habla.

A lo mejor gran parte de la gracia se pierde para los que no conocemos la jerga callejera de la juventud francesa, pero en todo caso, no hubo nada extraordinario en los chistes que sí funcionaron. Y no es porque sean pueriles, sino simplemente porque son flojos. Y ya no hay mucho más que decir sobre esta película, a veces entretiene y a veces aburre. Para lo que es, resulta demasiado larga. Si no hubiera agarrado impulso tan tarde, hubiera resultado mejor.