Lascars

Lascars (2009)

José y Tony son dos muchachos de los suburbios que esperan irse de vacaciones a Santo Rico, pero reciben los tiquetes de avión equivocados, por lo que sus planes se arruinan. Para conseguir dinero, Tony se compromete a vender droga, mientras que José consigue trabajo como albañil en la casa de un juez adinerado.

Película de animación francesa basada en los personajes de unos segmentos televisivos que duraban un minuto y medio, y vivían haciendo chistes sobre la vida en los barrios bajos, la cultura hip hop, el sexo, las drogas, la pobreza y la necesidad de conseguir dinero por cualquier medio. Básicamente, aquí se trasladan los chistes a un largometraje que pasa gran parte del tiempo sin un rumbo definido, lo cual no sería un problema, de no ser porque varios de los chistes no son tan divertidos, para empezar. De hecho el humor mejora cuando finalmente la historia comienza a tomar algo de forma, porque termina definiendo el curso de las situaciones por las que pasan los personajes.

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La estética es llamativa, la aspereza de los entornos y los rasgos grotescos de los personajes le dan a Lascars un aire muy callejero, en tono con la temática de la que habla.

A lo mejor gran parte de la gracia se pierde para los que no conocemos la jerga callejera de la juventud francesa, pero en todo caso, no hubo nada extraordinario en los chistes que sí funcionaron. Y no es porque sean pueriles, sino simplemente porque son flojos. Y ya no hay mucho más que decir sobre esta película, a veces entretiene y a veces aburre. Para lo que es, resulta demasiado larga. Si no hubiera agarrado impulso tan tarde, hubiera resultado mejor.

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Paprika

Paprika (2006)

Un tratamiento psicoterapéutico experimental permite que los doctores traten a sus pacientes entrando en sus sueños, utilizando un dispositivo conocido como DC Mini. Pero el artefacto es robado, y el ladrón puede manipular las mentes de las personas a través de sus sueños. La doctora Atsuko Chiba, líder del equipo que desarrolla el tratamiento, debe capturar al ladrón persiguiéndolo entre los sueños que ha invadido, utilizando a su alterego Paprika, una especie de avatar que la psiquiatra asume en el mundo de los sueños, para lograr este objetivo.

Era cuestión de tiempo antes de que Satoshi Kon, cuya obra se caracteriza por usar la animación para difuminar la línea entre la realidad y la ficción, abordara el tema de los sueños. En Paprika, escenas dispares se funden unas con otras continuamente, en un laberíntico caos cuidadosamente estructurado a través del prodigioso uso del montaje, que, adicionalmente, le confiere a la película un vertiginoso ritmo. El absurdo y el sinsentido se materializan en múltiples y coloridas formas, entre las que se destacan un desfile conducido por electrodomésticos, unas rechonchas muñecas con miradas muertas, o un detective que se persigue a sí mismo a lo largo de las escenas de múltiples películas. La música es tensa, densa, y enfatiza la intriga en la que progresivamente se sume Paprika.

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“El éxtasis que florece en la sinapsis es grasa de leche marca Paprika. 5% es la norma. La red de seguridad del océano es no lineal, ¡incluso con lo que los cangrejos sueñan!”

Existe un componente psicológico bastante particular dentro de la película. Los sueños son las puertas hacia el subconsciente del ser humano. Aquí, como no podía ser de otra manera, representan culpas pasadas, anhelos, fantasías, deseos eróticos reprimidos (o no tan reprimidos), y muchas otras cosas más que la mente consciente de los personajes mantiene a raya, desconoce, o ansía en secreto. La posibilidad de usarlos como terapia resulta interesante (y más aún el hecho de que puedan ser usados para controlar la mente de toda la gente de la tierra, para sumirlos en un único sueño demencial que es la mezcla de todos sus sueños particulares). En toda confrontación final que tienen los personajes con sus sueños, aprenden algo de sí mismos, y se reconcilian con partes de sí mismos. Paralelamente, Paprika es una película sobre el cine mismo, que expone la idea de que, de todas las artes, es precisamente ésta la que tiene la capacidad de traer los sueños a la vida, de convertirlos en imágenes e ideas, de transformarlos en una narrativa. Todo esto puede evidenciarse en la historia del detective Konakawa.

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“Si comparáramos los sueños con las películas, los de las primeras fases serían cortometrajes artísticos, mientras que los de las fases tardías serían superproducciones taquilleras.”

Paprika trasciende el género de la animación, al usarlo para mostrar cosas que serían extremadamente difíciles de lograr en una película con actores de carne y hueso. Es la culminación de todo lo que Kon había construido en sus obras anteriores (se podría decir que su obra maestra, ya que, tristemente, nunca sabremos si hubiera podido haber llegado a superar lo que logró con esta película, de no haber sucumbido al cáncer). Deliberadamente desorientadora, compleja, llena de energía y de una sensación de urgencia que mantiene emocionado al espectador, es una ensoñación que pide ser revivida una y otra vez.

It’s Such a Beautiful Day

It’s Such a Beautiful Day (2012)

Una compilación de tres cortometrajes animados: Everything Will Be OK, I Am So Proud of You y It’s Such a Beautiful Day, que narran la historia de Bill, quién sufre una grave enfermedad que lentamente le está haciendo perder sus recuerdos. Bill empieza a reflexionar sobre muchas situaciones de su vida y sobre su propia existencia, mientras su estado físico y mental se deteriora.

En cuanto al aspecto visual, nos encontramos ante una película muy particular, ya que el estilo que predomina es la animación a mano, que usa “muñecos de bolitas y palitos”, los cuales realizan múltiples acciones en una pantalla dividida. También se usa animación stop-motion hecha a base de fotografías, pinturas en matte, y varios efectos creados con la misma cámara (Hertzfeldt usa una cámara bastante antigua), tales como superposiciones (de las figuras animadas en las fotografías, o con otras figuras animadas).

bill doctor beautiful day

Frecuentemente se ha llamado al estilo de Hertzfeld “el equivalente animado de David Lynch”, debido a que ambos juegan con la imagen para retratar el subconsciente del ser humano.

 

El fluido ritmo de los “capítulos” de la película mantiene al espectador permanentemente atento durante sus 62 minutos de duración. El guión, escrito por el mismo Hertzfeldt, balancea de manera sutil el agudo humor negro, el surrealismo absurdista, y el drama existencial. La narración/voz en off complementa muy bien la acción en pantalla, además de ser evocadora. El uso de obras de compositores como Chopin, Rachmaninov o Wagner nunca se sientre trillado, sino que por el contrario, crea un efecto de contraste bastante bien logrado.

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“An impression, from a ghost, an amazing, infinite time machine, every night above his head, that he’s ignored for most of his life.”

It’s Such a Beautiful Day es el viaje de Bill, en el cual confronta y acepta su propia mortalidad. Durante la mayor parte de su vida, vivió aislado, desconectado de su realidad, de la brevedad y fugacidad de la vida. El tiempo se le escapó de las manos sin que él se diera cuenta, para él la vida era gris y monótona, siempre vivía pensando en el futuro, en la hora del fin, hasta que pudo encontrar la felicidad en la belleza de los pequeños detalles (y grandes misterios cósmicos) que posibilitan algo tan misterioso como nuestra existencia.

Graciosísima, pero desgarradoramente triste, cruel pero dulce, compleja, pero sin pretensiones, y con un trasfondo esperanzador bajo su tono nihilista, es una de las obras animadas más celebradas de esta década (en la Internet, al menos). Su capacidad de darle nuevos usos a técnicas tradicionales de animación, así como de reinventarlas, la hacen una experiencia cinematográfica única e imperdible.

Inside Out

Inside Out (2015)

En la mente de Riley Andersen existen cinco emociones personificadas, encargadas de guiar su comportamiento: Alegría, Tristeza, Ira, Miedo y Disgusto. Riley y sus padres vivían felizmente en Minnesota, hasta que tuvieron que mudarse a San Francisco. Pero Riley ha tenido problemas para ajustarse a su nueva vida.

Las películas de Pixar nunca me han despertado mucho interés, por lo que Inside Out fue una grata sorpresa. La idea de unos minúsculos seres que controlan el comportamiento de una persona desde una consola ubicada en su cabeza no es para nada original, pero el diseño de los personajes, y de los entornos físicos que conforman la mente de Riley sí que lo son, y tienen una apariencia bastante llamativa. A pesar de lo cuidado de la animación y los aspectos visuales, lo verdaderamente destacable de la película es el guión, que logra un delicado balance entre los momentos divertidos y melancólicos, cautivando al público adulto tanto o más que al infantil.

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“Seriously? For THIS we gave up that Brazilian helicopter pilot?”

La música es apropiada, si bien en un par de ocasiones llega a ser efectista. La actuación de voz es convincente por parte de todos los involucrados, destacando especialmente Phyllis Smith en el papel de Tristeza y Amy Poehler en el papel de alegría. El tono de voz y habla de las dos acentúa el contraste que se ve en los movimientos de las figuras animadas en pantalla.

peso problemas vida

“Crying helps me slow down and obsess over the weight of life’s problems.”

La película no es tan profunda ni compleja como muchos la quieren hacer ver, pero ciertamente tiene un poco más de sustancia que la típica película para toda la familia. Quienes pretendan encontrar cómo funciona la mente humana a través de Inside Out están como fuera de lugar, ya que obviamente, y para no confundir a los niños, el tema es necesariamente simplificado.

Eso no quita que el tratamiento del mismo sea ingenioso, por supuesto. Al final todas las emociones contribuyen a llevar una vida más rica y compleja, estar feliz todo el tiempo (o triste todo el tiempo) termina volviendo unidimensional a una persona, que solo puede ver las cosas desde una perspectiva cerrada. A pesar de lo felices que puedan ser algunos recuerdos, eventualmente hay que dejarlos atrás, a medida que se crece. La vida cambia, y las circunstancias también, pero siempre se aprenden nuevas cosas. Una idea bastante interesante la de que la tristeza también tiene el potencial para unir de manera muy fuerte a las personas.

islas personalidad expandidas

“Friendship island’s expanded. Glad they finally opened that Friendly Argument section.”

A pesar de que no la llamaría una obra maestra, Inside Out está muy bien realizada. Es una explosión de energía creativa, entretenida sin ser vacía, sentimental sin ser excesivamente manipuladora, y capaz de capturar a una gran audiencia sin ser genérica ni muy complaciente.

Perfect Blue

Perfect Blue (1997)

La joven cantante de pop Mima Kirigoe decide retirarse del negocio de la música, para perseguir una carrera como actriz. Empieza con un insignificante papel secundario en una serie televisiva, el cual solo es expandido tras la inclusión de una escena de violación. Mima empieza a recibir amenazas por parte de un anónimo, y luego de que el guionista del show es asesinado, las cosas empiezan a ponerse más turbias. Todo apunta a un misterioso sitio web llamado “El diario de Mima”, en donde un acosador se hace pasar por la protagonista y cuenta las vivencias de su día a día, como si fuera ella. Mima empieza a tener dudas sobre su propia identidad, y a perder la capacidad de distinguir entre realidad e ilusión.

La ópera prima del director Satoshi Kon, un esquizofrénico thriller psicológico en el que se borran las líneas entre realidad y fantasía (esto último básicamente es lo que caracteriza el estilo de toda su obra). Para ello, explora un rango de posibilidades en el campo de la edición que difícilmente funcionarían en una película con actores de carne y hueso (o live-action, como le llaman). El uso frecuente de transiciones juega un papel fundamental al conectar varias escenas de distinta naturaleza. Podría parecer que estoy resaltando algo obvio, porque pues eso es lo que se hace en todas las películas que usan este tipo de técnicas (como match-cuts, que es la que más frecuentemente se usa), pero Kon lo hace de una manera muy particular, porque la animación permite que estas transiciones sean mucho más abruptas de lo que pueden llegar a ser en el cine no animado, dejando sorprendidos, atónitos o desorientados a los espectadores.

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Todo esto en aproximadamente cinco segundos. No parece gran cosa cuando uno lo describe, pero verlo en pantalla es distinto.

En consecuencia, el ritmo de la película es bastante acelerado, aunque la narrativa nunca pierde consistencia, a pesar de su naturaleza fragmentada y deliberadamente engañosa. Llegamos a ver el mundo desde la perspectiva de Mima, sin saber qué es real y qué es imaginado. Destaca la actuación de voz de Junko Iwao, que contribuye en gran medida a darle vida a la protagonista (a pesar de que me estresan esas voces ultra agudas de las japonesas).

fotografo muerte

Perfect Blue habla del riesgo que existe cuando alguien puede aferrarse tanto a su persona escénica que termina reemplazándola por su propia identidad, dejándose definir por todo el mundo simplemente como “la cantante” o “la actriz”. También habla del potencial destructivo que acarrea el asumir este tipo de roles como identidad. La cantante es una figura infinitamente mercantilizable, que vende discos, afiches, y objetos de colección para los fanáticos, que al tornarse obsesivos y acérrimos, llegan a tener una fijación enfermiza con ella (como el personaje de Me-Mania). La actriz debe quitarse esa etiqueta de niña inocente y “mostrarse madura”. ¿Cómo lo hace? Pues apareciendo desnuda y envuelta en situaciones sexuales en pantalla, porque eso es lo que atrae los ratings. Ambas “identidades” son frívolas, y no pasan de ser mera objetificación, que sirve a los intereses de los ejecutivos y agentes de Mima.

mima violacion

“¡Esa clase de cosas la hacen todas las actrices! ¡Esa tal Jodie como se llame lo hizo también!”

Angustiante, envolvente y compleja, Perfect Blue demuestra que el anime puede ser mucho más que series de acción para adolescentes o porno con tentáculos. Un estudio de carácter, a la vez que una mordaz crítica al mundo del espectáculo, que fija las bases en las que se asienta el resto de la (tristemente breve) filmografía de Satoshi Kon, y los fundamentos de su estilo.